Duncan Jones dirigirá la película de 'World of Warcraft'

Seguimos con los fichajes de directores para alguno de los títulos más potentes de los próximos años, ya que si hace unos días se confirmaba que J.J. Abrams va a encargarse de ‘Star Wars: Episodio VII‘, hoy la noticia de última hora es que Duncan Jones ha sido el realizador elegido para llevar a la gran pantalla ‘World of Warcraft‘, el famoso videojuego que cuenta con millones de seguidores a lo largo de todo el planeta.

Otra coincidencia entre ambos proyectos es que está previsto que su estreno tenga lugar a lo largo de 2015, pero parece que será ‘Warcraft‘ el primero en rodarse. Más complicado resulta daros un posible argumento para esta adaptación cinematográfica del célebre videojuego de Blizzard, ya que se trata de un universo enorme con tantas tipologías de personaje que la única gran duda es cómo enfocarán el hecho de que todo está dividido en dos facciones: La Horda y La Alianza. Lo que es seguro es que no faltarán las quejas sobre la forma de abordar la historia, ya que el fanatismo de no pocos de sus seguidores se sale de toda escala.

Duncan Jones prosigue así con una muy interesante carrera en el cine de ciencia ficción. Comenzó con la notable ‘Moon‘ (2009), con la cual ya consiguió evitar toda fama de enchufado por ser el hijo de David Bowie, dando el salto después a una propuesta más comercial con la muy disfrutable ‘Código fuente‘ (‘Source Code’, 2011). Se ve que sus méritos no han pasado desapercibidos para Legendary Pictures, la productora detrás de esta versión cinematográfica en imagen real de ‘World of Warcraft’. Yo he de reconocer que nunca llegué a jugar al videojuego original – yo era más del ‘Diablo 2‘, la verdad- , por lo que no tengo muy claro qué esperar de esta película, pero la presencia de Jones tras las cámaras es más que suficiente para que puedan contar con mi entrada, ¿os pasa lo mismo?

Autor: Mikel Zorrilla (Blog de cine)
Vía: The Hollywood Reporter

Eva Green protagonizará 'Sin City: A dame to kill for'

El reparto de ‘Sin City: A dame to kill for‘ (Robert Rodriguez y Frank Miller, 2013) ha crecido a marchas forzadas en las últimas semanas con motivo de un rodaje que ya comenzado, pero no ha sido hasta hace unas horas que se ha sabido la identidad de su protagonista femenina: La sensual Eva Green.

Aún está por confirmar si esta segunda entrega de la estupenda ‘Sin City‘ (Robert Rodriguez, Frank Miller y Quentin Tarantino, 2005) contará con varias historias o si se centrará en exclusividad en la que servía como base al cómic utilizado para su título: ‘Mataría por ella‘. El argumento del mismo gira alrededor de Dwight (Josh Brolin sustituyendo, por motivos que no desvelaré, a Clive Owen), un antiguo periodista ahora reconvertido en una especie de detective cuyo trabajo se centrar en conseguir fotografías de casos de adulterio. Un día su camino se cruza con el de Ava (Eva Green), una seductora y manipuladora mujer que le causará tantos placeres como malestares.

En su momento se habló mucho de la posibilidad de que Angelina Jolie iba a interpretar a Ava, habiendo sonado también los nombres de Salma Hayek, Rachel Weisz y Rose McGowan, pero la protagonista de ‘Soñadores‘ (‘The Dreamers’, Bernardo Bertolucci, 2003) ha conseguido hacerse con un papel descrito por Robert Rodriguez como una de las más fascinantes habitantes de Sin City con muchos puntos en común con las femme fatale del cine negro. Green se une así a un extenso reparto en el que ya estaban confirmados Josh Brolin, Bruce Willis, Jessica Alba, Mickey Rourke, Rosario Dawson, Jaime King, Dennis Haysbert, Joseph Gordon-Levitt, Jaime Chung, Alexa Vega, Christopher Meloni, Ray Liotta, Jeremy Piven, Michael Madsen, Juno Temple y Julia Garner. La película, como he comentado previamente, ya está rodándose para así poder estar lista para su estreno, previsto para el próximo 4 de octubre.

Autor: Mikel Zorrilla (Blog de cine)
Vía: Deadline

'Hitchcock', superficial, engañosa y vulgar

Me encanta el cine de Alfred Hitchcock y a él lo tengo por uno de los mejores directores de toda la historia del séptimo arte, pero las cosas cambian mucho cuando se hacen películas relacionadas de una forma u otra con la obra del mago del suspense. Él mismo demostró una gran habilidad para rodar nuevas versiones de varias de sus películas, pero los resultados han sido muy decepcionantes cuando han sido otros los responsables. Estafas como ‘Psycho’ (Gus Van Sant, 1998), anodinos entretenimientos como ‘Un crimen perfecto’ (‘A Perfect Murder’, Andrew Davis, 1998) o vulgaridades como ‘La ventana de enfrente’ (‘Rear Window’, Jeff Bleckner, 1998), y eso por no hablar de auténticos atentados como ‘Los pájaros 2: El fin del mundo’ (‘The Birds 2: Land’s End’, Rick Rosenthal, 1994), sólo sirvieron para hacernos recordar la grandeza de Hitchcock. Sin embargo, he de reconocer que la idea de ver una cinta de corte biográfico centrado en la problemática realización de esa obra maestra llamada ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960) me resultaba atractiva y estimulante, pero la triste realidad se ha vuelto a imponer y ‘Hitchcock’ no es más que una propuesta muy por debajo de lo que podría haber sido.

 

¿’Hitchcock’ o ‘Alma’?

Una de las formas más sencillas de atacar ‘Hitchcock’ sería centrar mis acometidas en la elección de Sacha Gervasi y en los productores por haber confiado una cinta de estas características a un realizador novato en estas lides – en su haber sólo encontramos el estupendo documental ‘Anvil. El sueño de una banda de rock’ (‘Anvil: The Story of Anvil’, 2008)-, pero también sería una tremenda injusticia. El auténtico culpable de que la película se hunda en los más profundos abismos de la mediocridad es el guión de John J. McLaughlin a partir del libro de Stephen Rebello. La primera decepción llega en su forma de abordar la historia, ya que el auténtico eje del relato no es tanto la realización de ‘Psicosis’ como la crisis matrimonial del protagonista, llegando a tal punto que, durante muchas fases de ‘Hitchcock’, la gran protagonista es su esposa Alma, siendo quizá éste el mayor error de todos en los que incurre la película.

Ya es suficientemente frustrante que se quiera llevar al límite la frase hecha de que detrás de todo gran hombre hay una gran mujer como para que se haga a través de un escarceo amoroso que todos sabemos que está condenado a no llegar a ninguna parte – la discreta actuación de Danny Huston tampoco ayuda nada a tomárselo en serio- . No ya sólo porque ellos continuaron juntos en la vida real, sino que se recurren a tópicos tan insultantes para ilustrarlo que acabe provocando el enfado en un espectador más interesado en los engranajes detrás de ‘Psicosis’ – lástima que no haya más desarrollo en aspectos como el trabajo de los censores o la problemática relación entre Hitchcock y Vera Miles- que en ver esa tontería que también daña al presunto protagonista, ya que sus visiones de Ed Gein rozan peligrosamente lo absurdo y, por desgracia, son la única muestra de su obsesiva personalidad – si obviamos un par de reacciones puntuales durante el rodaje-, otra de las grandes decepciones de esta ‘Hitchcock’, ya que reduce al mínimo la compleja personalidad del director de ‘Extraños en un tren’ (‘Strangers on a Train’, 1951).

 

Superficialidad y personajes mal definidos

Estaba claro que ‘Hitchcock’ iba a ser una propuesta en la que brillasen los personajes por encima de todo lo demás, pero lo que uno no podía esperar que estuviesen tan mal perfilados, algo que únicamente Anthony Hopkins y Helen Mirren consiguen a través de sus actuaciones – reseñables positivamente, pero tampoco nada especialmente maravilloso- que pase parcialmente desapercibido. Este mal asola sobremanera al resto de participantes de ‘Psicosis’, convirtiendo algunos personajes en meras anécdotas – inocuo James D’Arcy como Anthony Perkins- , estereotipos vulgares – intrascendente Scarlett Johansson en la piel de Janet Leigh- y, en general, un auténtico desfile de oportunidades desaprovechadas.

El escaso brillo de los personajes es algo que encuentra su reflejo en la forma de mostrarnos el argumento de la película. Ya he comentado el exceso de peso que tienen las dudas amorosas de Alma, en especial por el escaso reconocimiento que tiene su duro trabajo, pero es que éstas se basan en tópicos sangrantes que encima sólo dejan espacio para una aproximación muy superficial a la creación de Hitchcock. Sí, se mencionan de una forma u otra las líneas maestras – dificultades para conseguir la financiación, problemas en el rodaje y con la censura, dudas sobre el resultado final, etc.-, pero todas ellas quedan reducidas con suerte a un par de minutos de metraje en las que no se indaga en demasía, sino que se limitan a decir que eso pasó. El problema es que para eso me leo la wikipedia, donde seguro que encuentro muchos más detalles que los que se nos ofrecen aquí.

El acabado visual y técnico de la película también juega en su contra, ya que es cierto que Gervasi consigue cierta fluidez narrativa que evita la llegada del sopor – su reducido metraje también ayuda lo suyo-, pero eso no es excusa para que transmite en todo momento la sensación de ser un telefilm que pretende hacerse pasar por una película. Este aspecto era perdonable en ‘The Girl’, deficiente obra televisiva que se centraba en la enfermiza relación profesional entre Hitchcock y Tippi Hedren, pero aquí se carga uno de los aspectos que mejor suelen funcionar en otras producciones de esta categoría. El maquillaje, tema controvertido y que algunos han llegado a decir que hace pensar en ‘La hora chanante’(2002-2006), tampoco está especialmente conseguido, pero le basta para estar entre lo mejor de la película.

Cada vez que pienso en ‘Hitchcock’, menos me gusta, y lo cierto es que ya estaba muy decepcionado al acabar de verla. No hay nada que funcione realmente bien, y son muchos los problemas que van destruyendo la película hasta tal punto que lo más acertado sería considerarla como una falta de respeto hacia Alfred Hitchcock. No sé qué haréis vosotros, pero yo he llegado a la conclusión de que lo mejor que puedo hacer es intentar olvidar su mera existencia.

Autor: Mikel Zorrilla (Blog de cine)

Crítica de "Coriolanus"

A FAVOR, por Noel Ceballos

Bertolt Brecht ya supo ver en 'Coriolano' la tragedia más relevante de todas las escritas por Shakespeare: su cínico, devastador análisis de la alta política romana hace de ella una fábula universal, aplicable a cualquier contexto histórico. Ralph Fiennes ha elegido una ambientación casi balcánica y un hiperrealismo urgente, que nos permite identifcar en corioles los fantasmas de los últimos confictos armados y sociales. El libreto de John Logan adapta el verso blanco del bardo a las consignas del 99% y a la retórica de los mass media (qué gran acierto el de ambientar el gran estallido de Coriolano en un debate televisivo), aislando su médula oscura y potenciando su juego de espejos deformantes con nuestra realidad. Tan fiera e impenetrable como su protagonista, 'Coriolanus' se enfrenta a la obra con aplomo, nervio y respeto por sus predecesores, como demuestra su cita inicial a John Osborne. No obstante, la parte del león corresponde a los intérpretes, especialmente a un monstruoso Fiennes y a Vanessa Redgrave, inquietante en su representación de un matriarcado cruel.

EN CONTRA, por Nuria Vidal

Shakespeare es el autor de teatro universal más adaptado al cine. Tanto recreándolas felmente como trasponiéndolas a un tiempo distinto, sus obras dan siempre mucho juego. Pero si no hay duda que sus comedias o sus dramas de amor encuentran un camino idóneo en la pantalla, en cambio sus obras más claramente políticas suelen caer en el estereotipo más vulgar: el de confundir los tiranos de los dramas isabelinos con autoritarios dictadores de marcado carácter nazi. Recuerdo en ese sentido un 'Ricardo III' con Ian McKellen, particularmente enervante. Esa es otra característica de estas adaptaciones político/nazis: suelen ser de una histeria notable. En 'Coriolanus', de nuevo estamos ante una recreación en clave militarista y con una forma de representación que hace del grito la norma de interpretación. Y es una lástima no sólo porque la obra podría funcionar mucho mejor en una puesta en escena que mantuviera una cierta ambigüedad atemporal (¿recuerdan el 'Julio César' de J.L. Mankiewicz?), o en una aproximación histórica ('Campanadas a medianoche', de Orson Welles) o en una lectura en clave contemporánea ('Looking for Richard', de Al Pacino).

Autores: Nuria Vidal, Noel Ceballos (Fotogramas)

Aquí tenéis a Lois Lane

Hoy podemos ver la primera imagen oficial de Amy Adams caracterizada como Lois Lane en Man of Steel. La actriz, que ahora podéis ver en The Master, será la tercera en dar vida al personaje en el cine (después de Margot Kidder y Kate Bosworth) y la octava en total si contamos las series televisivas Las Aventuras de Superman (Phyllis Coates, Noel Neill), Superman (Ginny McSwain), Loise & Clark (Teri Hatcher) y Smallville (Erica Durance).

Autor: Javier Ruiz de Arcuate (lashorasperdidas)
Vía: Warner Bros

Taquilla USA: Flojos cazadores de brujas

Un fin de semana bastante flojo en los cines estadounidenses en cuanto a recaudación se refiere. ‘Hansel y Gretel: Cazadores de brujas’ (‘Hansel & Gretel: Witch Hunters’, Tommy Wirkola, 2012) se corona en el top ten con unos resultados no demasiado esperanzadores. Menos de 20 millones, unas críticas penosas y un recibimiento del público votante no demasiado eufórico es lo que de momento se está llevando una película que, hay que reconocerlo, no tiene muy buena pinta. En nuestro país podremos verla a partir del 1 de marzo.

Jason Statham estrena ‘Parker’, film de acción a su completo servicio y en el que llaman la atención dos cosas. Una es la partenaire femenina del actor, Jennifer Lopez, quien iba para excelente actriz pero prefirió el mundo de la música; y otro es el director Taylor Hackford, uno de esos a los que le queda bien la etiqueta de “ni bueno ni malo”, a pesar de que ha firmado un bodrio tan espantoso como ‘Oficial y caballero’ (‘An Officer and A Gentleman’, 1982). la crítica no aprueba el film, y el público votante está más satisfecho. El 8 de marzo se estrena en España.

‘Movie 43’ es una de las rarezas del año, aunque sólo sea por su espectacular reparto o por los directores asignados, nada menos que doce, y entre los que están los nombres de Elizabeth Banks, Griffin Dunne o Brett Ratner. Una serie de cortos con supuestas situaciones hilarantes, e interpretada por gente como Hugh Jackman, Dennis Quaid, Kate Winslet, Richard Gere, Uma Thurman y Halle Berry. El film ha recibido las peores críticas posibles, aunque el público votante se ha mostrado bastante más generoso. ‘Movie 43’ está exhibiñendose actualmente en nuestras pantallas.

Autor: Alberto Abuín (Blog de cine)
Vía: IMDb

Taquilla española | Django sigue siendo el número uno

 

¡No sabía yo que Quentin Tarantino tenía tantos seguidores en España! Su esperado western, ‘Django desencadenado’ (‘Django Unchained’, 2012), sigue en lo más alto de la taquilla y ya ha superado la barrera de los 5 millones de euros en solo dos semanas. Excelente recaudación. Sus tres rivales eran ‘Lincoln’ (Steven Spielberg, 2012), que ha caído al cuarto puesto, y las dos novedades más potentes del pasado viernes, ‘El lado bueno de las cosas’ (‘Silver Linings Playbook’, David O. Russell, 2012) y ‘El vuelo’ (‘Flight’, Robert Zemeckis, 2012). La primera de ellas, nominada a 8 Oscar, logró el mejor promedio del fin de semana con 4.528€ por sala —mil más que la de Tarantino; la de Zemeckis se quedó en 3.322€—.

En la sexta plaza encontramos otra novedad en la cartelera española, ‘Movie 43’ (varios, 2013). La comedia no ha funcionado en EE.UU. y aquí tampoco, a pesar de contar con uno de los repartos más llamativos de los últimos años: Kate Winslet, Naomi Watts, Uma Thurman, Emma Stone, Chloë Grace Moretz, Halle Berry, Hugh Jackman, Gerard Butler, Richard Gere y Terrence Howard, entre muchos otros. También se estrenó esta semana ‘Bestias del sur salvaje’ (‘Beasts of the Southern Wild’, Benh Zeitlin, 2012) pero apenas contaba con 40 copias y no ha logrado colarse en el top 10 de la taquilla. Triunfadora en Sundance y nominada a 4 Oscar, la película solo recaudó 60.000 euros, dejando una floja media de 1.427€ por cine.

PD: Los estrenos más destacados del próximo viernes son ‘Hitchcock’ (Sacha Gervasi, 2012) y ‘El último desafío’ (‘The Last Stand’, Kim Jee-woon, 2013). ¿Creéis que alguno de los dos tiene opciones de arrebatar a Django el número 1?

Autor: Juan Luis Caviaro (Blog de cine)
Vía: El Economista

Crítica de "El cuarteto"

Dustin Hoffman ha elegido para su debut en la dirección una comedia sencilla, amable y sin aspavientos. Escrita por Ronald Harwood, guionista de películas como El pianista (Michael Haneke, 2002) y La escafandra y la mariposa (Julian Schnabel, 2007), muestra el día a día de los pacientes de una residencia de la tercera edad para cantantes de ópera retirados. Varios de sus temas están claros: la soledad en la vejez, la pérdida de la cabeza o el miedo a acabar por perderla y, aglutinándolo todo y dándole un barniz poético, el poder terapéutico de la música y, por extensión, del arte. Para tantear todo ese material, ni Harwood (en el texto) ni Hoffman (en la ejecución) se salen de los márgenes de la corrección y el optimismo. El cuarteto es una película formulada en positivo, que incluso cuando aborda la enfermedad y la muerte lo hace hablando de la vida.

Pero no es una propuesta ingenua, falsamente alegre o con excesos sentimentales. Un guión con las emociones bien calibradas, en el que el humor equilibra y ayuda a entender el drama, una dirección de actores enfocada a la naturalidad y un reparto extraordinario que no comete el error de sentir lástima por sus personajes hacen de El cuarteto un divertimento que antepone la lucidez y la fina ironía a la compasión y el sentimentalismo de manual.

Autor: Desirée De Fez (Fotogramas)

Paul Giamatti negocia para ‘The Amazing Spider-Man 2′

Paul Giamatti negocia para interpretar el papel de Aleksei Mikhailovich Sytsevich, más conocido como El Rinoceronte, en The Amazing Spider-Man 2, según informan fuentes cercanas al proyecto a THR.

THR también nos cuenta que la actriz Felicity Jones (Like Crazy) está negociando un papel en el film. No precisa exactamente cuál. Pero dado que los roles de Gwen Stacy y Mary Jane Watson están en manos de Emma Stone y Shailene Woodley, me voy a tirar el pisto y a sugerir que se tratará de Felicia Hardy, la Gata Negra.

De confirmarse el acuerdo, Giamatti acompañará a las actrices mencionadas, a Dane DeHaan como Harry Osborn, a Jamie Foxx como Electro y a nuestro cabeçote favorito como el Spider-Man titular.


Autor: Rafa Martín (lashorasperdidas)

Cancelados los relanzamientos en 3D de los Episodios II y III de 'Star Wars'

Primero fue Disney quien decidió cancelar sus planes para reestrenar 'La sirenita' en 3D, y ahora es Lucasfilm (también propiedad de Disney) quien ha pensado mejor su idea de relanzar los Episodios II y III de 'Star Wars'. Y es que tras el éxito del reestreno de 'El Rey León 3D', posteriores reediciones como 'La bella y la bestia ' y 'Buscando a Nemo' no corrieron la misma suerte, pudiendo ser ésta una de las razones por las que el estudio habría decidido cancelar el relanzamiento en 3D de 'La guerra de las galaxias. Episodio II: El ataque de los clones' y 'La guerra de las galaxias. Episodio III: La venganza de los Sith'.

Según informa Deadline, los propietarios de Lucasfilm quieren centrarse única y exclusivamente en el reinicio de la franquicia con tres nuevas películas de 'Star Wars', por lo que han decidido no continuar con las reediciones 3D de las anteriores películas de George Lucas. Así, los fans solo habrían tenido la oportunidad de ver nuevamente en la gran pantalla y en 3D, 'La guerra de las galaxias. Episodio I: La amenaza fantasma', cuyo relanzamiento tampoco podemos decir que fuera un éxito.

Por tanto Lucasfilm y Disney se centrarán de lleno en la nueva trilogía de 'Star Wars', cuya primera entrega llegará seguramente en 2015 bajo la dirección de J.J. Abrams y un guión de Michael Arndt. Respecto al 3D y dado que todas las últimas películas de Disney (incluidos los estrenos Pixar y Marvel) han llegado en esta formato, parece seguro que las nuevas entregas de 'Star Wars' también llegarán en 3D.

Autor: jescri (El Séptimo Arte)
Vía: Deadline

Crítica de "El lado bueno de las cosas"

El gato por liebre. Famosa triquiñuela polimórfica que en cine consiste en encasquetar al espectador lo contrario de lo que al principio se proponía. ¿Motivos? Acostumbran a ser puramente comerciales, o sea guardarse un caramelito de vaselina para meternos doblado el dulzón supositorio de la comercialidad. David O. Russell plantea durante más de una hora de metraje una película amarga, de digestión lenta y no poco desasosiego existencial para, en el último tercio, convertirlo en una comedia romántica al uso que nada tiene que ver con la primera idea regurgitada por nuestro magín.

El lado bueno de las cosas –¡ese fistro de título!- empieza casi como una peli británica de los 60, de director del Free Cinema, crispada, trufada de personajes al límite, jugando a fondo la carta de la neurosis. Como un Mike Leigh intravenoso, para entendernos. Enseguida detectamos que la disfuncional familia protagonista se parece bastante a la de The Fighter, la excelente obra anterior de Russell. Bien, pues llegado un punto de la narración –tiene que ver con el personaje de Jennifer Lawrence- todo cambia y pasamos de La soledad del corredor de fondo –por poner un ejemplo- a una secuela de Notting Hill. El ubicuo Bradley Cooper empieza a dar pruebas fehacientes de que siempre parece estar perdido, no importa si en Las Vegas o en Tailandia. Suerte de un De Niro bastante inspirado a pesar del piloto automático activado desde hace lustros y, sobre todo, de la gran Jennifer Lawrence, presencia casi siempre turbadora.

No es que Russell dilapide el notable calado emocional que había sido capaz de cocinar, pero molesta comprobar que la fuerza se le va por la boca. Lo que nos susurraba con desesperados gritos y sollozos decide que debe ser declamado con dos o tres hits musicales, una improbable carta de amor y una resolución dramática de primero de escritura. No es que los happy endings sean malos por naturaleza, pero no sé si a David O. Russell le hacía falta demostrarnos que también es ducho en el arte del gato por liebre. 

Autor: Toni Vall (Cinemanía)

Crítica de "Amor"

Fumata blanca: Michael Haneke está planchando la pajarita y alquilando el esmoquin para recoger su segunda Palma de Oro. «Amour» se la merece más que «La cinta blanca», porque recompensaría un necesario cambio de registro en la carrera del director austríaco. Los detractores de su cine, que le han tachado de sádico y cruel y han subrayado su neurótica frialdad y su cósmica misantropía, se encontrarán aquí con un humanista como la copa de un pino, capaz de rodar la historia de amor más auténtica del cine reciente sin dar un solo paso en falso. A su lado, el Thomas Vinterberg de «The Hunt», con su tramposo cuento sobre un buen hombre falsamente acusado de pederastia, está condenado al olvido.

Anne y Georges Laurent (Emmanuelle Riva y Jean Louis Trintignant) son un matrimonio de octogenarios que parece entenderse más allá de las palabras. Una mañana, a la hora del desayuno, ella se queda en blanco, paralizada, incapaz de reaccionar. Se inicia la definitiva degradación de la vejez: encerrados en su apartamento parisino, asistiremos al dolor de Georges al cuidar a Anne, que acaba postrada en la cama, gimiendo, balbuceando como un bebé con demasiada memoria. La hija (Isabelle Huppert) cumple con sus visitas, llora desconsolada, sale por la puerta y retoma su vida.

«Amour» reformula el clímax final de «El séptimo continente», la ópera prima de Haneke. Hay en esa autocita una clara intención de volver a los orígenes, de reescritura de un discurso nihilista que sigue siendo devastador pero que, por primera vez, trabaja con personas y no con ideas. Es una película de una sencillez desarmante: la austeridad de la puesta en escena está al servicio del drama, rechaza cualquier tentación enfática. «No escribo películas para demostrar nada», explicaba Haneke. «Cuando se llega a cierta edad, el sufrimiento inevitablemente te conmueve. Es todo lo que quiero mostrar, no hay nada más. Por eso el rodaje se hizo en un apartamento. No quería entrar en una habitación de hospital para hacer algo que el público ha visto una y otra vez. Estoy muy contento de haber hecho una película simple».

Hundida en la miseria
Es imposible salir indemne de ver «Amour». La desnudez de su planteamiento pone las cartas sobre la mesa sin falsas coartadas. Trintignant y Riva están más allá de la entrega: no pueden existir dos actores que se comprometan más con sus personajes. Y es el compromiso con la vida, manifestado a través de los sacrificados gestos del amor, el verdadero tema de la película. Podría parecer que «Amour» trata de la decrepitud, la pérdida y la muerte, pero, en realidad, su título no engaña, y de lo que habla es de lo grande que puede llegar a ser un acto de amor. Haneke es implacable, por supuesto, y no nos ahorra ni uno solo de los gritos de dolor de Anne, y tampoco de la estoica paciencia de su marido, que le ha prometido que nunca la ingresará en un asilo. Entre esas cuatro paredes la vida de un hombre acaricia, protege, preserva la vida de la mujer a la que ama, y esa caricia, que también es una bofetada, se materializa en esta obra maestra absoluta, que ha elevado de golpe el tibio nivel de la sección oficial de este año.

Menos mal, porque Thomas Vinterberg no hizo más que hundirla en la miseria. En la rueda de prensa el director se hacía una pregunta clave: «¿Por qué creemos que los niños no pueden decir mentiras?». Pregunta que «The Hunt», poco más que un telefilme con ansias de controversia, pasa por alto porque todos los personajes dan por buena la acusación de pederastia que una niña demasiado imaginativa lanza contra un maestro santurrón. El linchamiento al que es sometido este personaje por la amable comunidad que antes le consideraba puntal de su estabilidad está corregido y aumentado por el huracán de desgracias que se acumulan sobre sus espaldas. Vinterberg haría bien en revisar «La calumnia», de William Wyler, para entender que el perdón no siempre resulta verosímil, por mucho que el noble y honesto hombre escandinavo, paradigma de la actitud civilizada, ponga la otra mejilla cuando la intolerancia castigue su dignidad.

Autor: Sergi Sánchez

Sundance 2013 | Palmarés

El Festival de Sundance cerró su trigésima edición este pasado domingo, tras diez días y más de cien largometrajes de producción independiente. El título con el que tenemos que quedarnos este año es ‘Fruitvale’, ópera prima de Ryan Coogler. La película logró los premios del jurado y del público en la sección de drama. La historia está basada en un hecho real, la muerte de un joven negro abatido por la policía. Los hermanos Weinstein la han comprado así que ya tenemos la primera candidata fija en los Oscar de 2014.

Entre los documentales sobresale igualmente un título, ‘Blood Brother’, de Steve Hoover, ganador de los premios del jurado y del público en su categoría. La película gira en torno a un hombre que abandona su vida en Estados Unidos para vivir en la India y ayudar a un grupo de niños enfermos de SIDA. También se ha llevado un galardón ‘Pussy Riot – A Punk Prayer’, de Mike Lerner, un documental sobre el grupo femenino ruso que el verano pasado causó un escándalo pidiendo la dimisión de Putin en una catedral ortodoxa, motivo por el cual tres de sus componentes fueron encarceladas. A continuación os dejo el palmarés de Sundance 2013:

• Gran premio del jurado de drama (EE.UU.): ‘Fruitvale’

• Gran premio del jurado de documental (EE.UU.): ‘Blood Brother’

• Gran premio del jurado de drama (internacional): ‘Jiseul’

• Gran premio del jurado de documental (internacional): ‘A River Changes Course’

• Premio del público en drama (EE.UU.): ‘Fruitvale’

• Premio del público en documental (EE.UU.): ‘Blood Brother’

• Premio del público en drama (internacional): ‘Metro Manila’

• Premio del público en documental (internacional): ‘The Square’

• Premio a la mejor dirección de drama (EE.UU.): ‘Afternoon Delight’

• Premio a la mejor dirección de documental (EE.UU.): ‘Cutie and the Boxer’

• Premio a la mejor dirección de drama (internacional): ‘Crystal Fairy’

• Premio a la mejor dirección de documental (internacional): ‘The Machine Which Makes Everything Disappear’

• Premio especial del jurado a la mejor interpretación: Miles Teller y Shailene Woodley por ‘The Spectacular Now’

• Premio especial del jurado por diseño de sonido: Shane Carruth y Johnny Marshall por ‘Upstream Color’

• Premio especial del jurado internacional en documental: ‘Pussy Riot – A Punk Prayer’

• Premio del público al mejor cortometraje: ‘Catnip: Egress to Oblivion’ (abajo lo tenéis entero)

Podéis consultar el resto de los premiados en la web oficial de Sundance.

Autor: Juan Luis Caviaro (Blog de cine)

 

'Argo' es la mejor película de 2012 según los productores de Hollywood

La temporada de premios avanza inexorablemente hasta alcanzar su punto álgido con los Oscar. En esta ocasión me toca hablaros de los galardones del Gremio de productores de Hollywood, ya que han coronado a ‘Argo‘ (Ben Affleck) como la mejor película de 2012. Este triunfo tiene especial relevancia, ya que ha coincidido con el ganador del Oscar desde que el Gremio cambió sus sistema de votaciones allá por 2010. ¿Le garantiza esto el premio a la tercera película como Ben Affleck? Para nada, pero sus opciones sí que aumentan exponencialmente pese a su ausencia en la categoría de mejor director.

‘Argo’ consiguió el triunfo en una votación en la que participaron hasta 5.400 productores de hollywoodienses y donde su competencia era impresionante: ‘Bestias del sur salvaje‘ (‘Beasts of the Southern Wild’, ), ‘Django desencadenado‘ (‘Django Unchained’, Quentin Tarantino), ‘Los miserables‘ (‘Les Miserables’, Tom Hooper), ‘La vida de Pi‘ (‘Life of Pi’, Ang Lee), ‘Lincoln‘ (Steven Spielberg), ‘Moonrise Kingdom‘ (Wes Anderson), ‘El lado bueno de las cosas‘ (‘Silver Linings Playbook’, David O. Russell), ‘Skyfall‘ (Sam Mendes) y ‘La noche más oscura‘ (‘Zero Dark Thirty’).

El premio para ‘Argo’ no fue el único de corte cinematográfico concedido por el Gremio de productores, ya que también reconocieron a ‘¡Rompe Ralph!‘ (‘Wreck-it Ralph’, Rich Moore) como la mejor película animada de 2012 – espero que suceda lo mismo en los próximos Oscar-, mientras que ‘Searching for Sugar Man‘ (Malik Bendjelloul, 2011) consiguió el galardón que premia al mejor documental del año.

PD: ¿Estás de acuerdo con la elección o hubierais preferido a alguna de las otras candidatas?

Autor: Mikel Zorrilla (Blog de cine)
Vía: Variety

J.A. Bayona se va a Hollywood

Que J.A. Bayona trabajaría algún día para un gran estudio de Hollywood era solo cuestión de tiempo. Nos pueden gustar más o menos las dos películas que ha dirigido hasta ahora, pero el barcelonés tiene talento y buen ojo para las historias que encandilan al público. En la industria norteamericana valoran y necesitan eso.


De momento no hay mucha información oficial sobre el proyecto que han dejado en manos de Bayona, aún sin título. Es una historia de ciencia-ficción para Warner Bros., con Kevin McCormick en labores de producción, el guion es de Eric Roth y la acción tiene lugar en el espacio exterior. Yo no necesito nada más, me apunto.

Roth tiene un Oscar por haber escrito ‘Forrest Gump’ (R. Howard Zemeckis, 1994) y optó a la estatuilla por los guiones de ‘El dilema’ (‘The Insider’, M. Mann, 1999), ‘Munich’ (S. Spielberg, 2005) y ‘El curioso caso de Benjamin Button’ (‘The Curious Case of Benjamin Button’, D. Fincher, 2008). Claro que también participó en los libretos de ‘Mensajero del futuro’ (‘The Postman’, K. Costner, 1997), ‘Lucky You’ (Curtis Hanson, 2007), ‘El buen pastor’ (‘The Good Shepherd’, R. De Niro, 2006) y ‘Tan fuerte, tan cerca’ (‘Extremely and Incredibly Close’, S. Daldry, 2011). Nadie es perfecto. Bayona tampoco, pero lo que ha conseguido con sus dos primeros largometrajes debe parecerse bastante a un sueño hecho realidad. Arrasó en la taquilla española con su debut, ‘El orfanato’ (2007), y volvió a hacerlo con ‘Lo imposible’ (2012), que ya ha recaudado más de 100 millones de dólares en todo el mundo. ¡Es nuestro James Cameron!

Curiosamente, la Warner tiene otras dos películas ambientadas en el espacio. Una es ‘Gravity’ (A. Cuarón, 2013), con George Clooney y Sandra Bullock, que se estrena en octubre, y otra es una versión libre de ‘La odisea’ de Homero que contará con un guion de un tal James DiLapo.

Autor: Juan Luis Caviaro (Blog de cine)
Vía: Deadline

Crítica de "El lado bueno de las cosas"

Si Aramís Fuster no lo impide, El Lado Bueno de las Cosas de David O. Russell está llamada a ser la gran triunfadora de la 85ª edición de los Oscars por qué, porque desde su exitosa presentación en el Festival de Toronto, con premio del público incluido, es una película tremendamente guay, bendecida por cualquier hipster sintético, y porque Harvey Weinstein, principal impulsor del film, lo volverá a hacer.

El Lado Bueno de las Cosas, basada en la novela homónima de Matthew Quick, narra la historia de Pat Solitano, un profesor de instituto, con trastorno bipolar, que acaba de pasar ocho meses en una institución mental después de haberle pegado una brutal paliza al amante de su mujer. Pat tendrá que vivir en la casa de sus padres, su madre es una sufrida señora que se esforzará al máximo para que su hijo no meta la pata, eso significaría que tendría que volver al manicomio, y su padre es un hombre supersticioso, un fanático del fútbol americano, en concreto de los Eagles, y que como está desempleado organiza un tinglado de apuestas ilegales. El protagonista querrá recuperar su antigua vida, a su mujer principalmente, pero en su camino se cruzará la cuñada de un amigo, una joven viuda, también con problemas mentales, con la que comenzará a congeniar y con quien se comprometerá a participar en un concurso de baile de salón.

Ver una película de David O. Russell es como asistir en primera fila a una batalla entre raperos. Su estilo visual, abusa más del zoom que el difunto Valerio Lazarov y los planos de sus películas duran menos de cinco segundos, así que como su manera de dirigir a los actores, que están constantemente pisándose los diálogos, le hace especialmente estomagante. No le situaría entre mis directores preferidos de la actualidad, ni en broma.

Aunque hay algo que sí que me gusta de él, y es que sabe sacar lo mejor de sus intérpretes. Probablemente Bradley Cooper haya marcado en rojo el día en el que O. Russell echó a patadas a Mark Wahlberg de El Lado Bueno de las Cosas, porque, primero, le iba a salir muy caro y, segundo, no le apetecía nada que ejerciese como productor, bastante tenía con los hermanos Weinstein, y Bradley Cooper además de barato es inofensivo. Hasta ahora el actor había fallado en sus intentos de convertirse en un intérprete a respetar, alejarse del galán cómico-gamberro de Resacón en Las Vegas, y gracias a O. Russell lo consigue, está realmente fantástico.

Jennifer Lawrence es guay. Es un pivón con un talentazo interpretativo alucinante, eso ya lo demostró con creces en Lejos de la Tierra Quemada y en Winter’s Bone, con la que logró su primera nominación al Oscar. Le lleva ventaja a muchas de sus coetáneas que están desesperadas por demostrar que saben recitar dos líneas de diálogo seguidas en la indie de turno. El problema es que ella sabe que está muy guay, y realmente lo está, en El Lado Bueno de las Cosas desde el momento en el que rodó su primera escena. Con cada frase, con cada escena, con cada gesto, con cada grito, con cada intento de poner cara de loca, no deja de pensar “soy guay y me zampo a De Niro”. Le darán el Oscar por mero descarte, porque a la última Meryl Streep wannabe no se lo van a dar aún, a una francesa de 87 años que no es Catherine Deneuve tampoco, a una australiana que se sube a un árbol y que se ha apuntado a cualquier apertura de un sobre durante las últimas semanas como que no, y a una niña negra a quien probablemente le roben el Oscar en el colegio, menos. Además Lawrence está tan implicada en su campaña, desde el Festival de Toronto lo está dando todo, que se lo está tomando como algo personal, aunque le estén dando todos los palos del mundo desde su monólogo inicial en SNL, realmente divertido, por cierto.

 

Robert De Niro y Jacki Weaver están francamente fantásticos. El primero se olvida de la autoparodia en la que se ha convertido en los últimos lustros, con alguna que otra excepción, y con la segunda te quedas con ganas de más, lástima que en guión su personaje tuviese cero relevancia. Igualmente bien están otros secundarios como son Chris Tucker, Julia Stiles, John Ortiz y Anupam Kher.

El Lado Bueno de las Cosas es una comedia que se ve con agrado. Pero su big eight, opta a los ocho premios más importantes, es realmente exagerado se mire por donde se mire. Aunque en absoluto puedo decir que sea una mala película.

Autor: Mary Carmen Rodríguez (lashorasperdidas)

Estrenos de cine | 25 de enero | El lado bueno de las bestias

Quedan aún varias semanas para que se anuncien los ganadores de los Oscar, pero este año se ha impuesto la cordura y es hoy 25 de enero cuando se estrenan en España los últimos títulos nominados como mejor película que quedaban por llegar a nuestro país. Es cierto que los focos se van a centrar en ‘El lado bueno de las cosas‘ (‘Silver Linings Playbook’, David O. Russell, 2012), pero también se lanza con mucho retraso – en Estados Unidos hasta está ya editada en dvd y blu-ray- ‘Bestias del sur salvaje‘ (‘Beasts of the Southern Wild’, Benh Zeitlin, 2012), aunque no dejéis cegaros por el glamour los premios, ya que hay otras seis películas para todos los gustos que llegan hoy a los cines de nuestro país.

‘El lado bueno de las cosas’

 

Dirección: David O. Russell. Título original: Silver linings playbook. País: USA. Año: 2012. Duración: 122 min. Género: Comedia dramática, romance. Interpretación: Bradley Cooper (Pat), Jennifer Lawrence (Tiffany), Robert De Niro (Sr. Pat), Jacki Weaver (Dolores), Chris Tucker (Danny), Julia Stiles (Veronica), Shea Whigham (Jake), John Ortiz (Ronnie). Guion: David O. Russell; basado en la novela de Matthew Quick. Producción: Bruce Cohen, Donna Gigliotti y Jonathan Gordon. Música: Danny Elfman. Fotografía: Masanobu Takayanagi. Montaje: Jay Cassidy y Crispin Struthers. Diseño de producción: Judy Becker. Vestuario: Mark Bridges. Distribuidora: eOne Films Spain. Estreno en USA: 25 Diciembre 2012.

Sinopsis: El profesor Pat (Bradley Cooper) vuelve a casa con sus padres después de una estancia en una institución mental, e intenta reconciliarse con su ex mujer. Las cosas se vuelven más desafiantes cuando Pat conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence), una chica con sus propios problemas.

‘Bestias del sur salvaje’

Dirección: Benh Zeitlin. Título original: Beasts of the southern wild. País: USA. Año: 2012. Duración: 92 min. Género: Drama, fantasía. Interpretación: Quvenzhané Wallis (Hushpuppy), Dwight Henry (Wink), Levy Easterly (Jean), Lowell Landes (Walrus), Pamela Harper (Little Jo), Gina Montana (Miss Bathsheba), Amber Henry (LZA), Jonshel Alexander (Joy), Joseph Brown (Winston). Guion: Lucy Alibar y Benh Zeitlin; basado en la obra “Juicy and delicious”, de Lucy Alibar. Producción: Michael Gottwald, Dan Janvey y Josh Penn. Música: Dan Romer y Benh Zeitlin. Fotografía: Ben Richardson. Montaje: Crockett Doob y Affonso Gonçalves. Diseño de producción: Alex DiGerlando. Vestuario: Stephani Lewis. Distribuidora: Golem. Estreno en USA: 27 Junio 2012.

Sinopsis: La historia de “Bestias del sur salvaje” nos traslada a una olvidada y orgullosa comunidad, instalada en una zona pantanosa formada por los meandros del río Mississippi, apartada del mundo por un inmenso dique, donde la pequeña Hushpuppy, de seis años, está a punto de quedarse huérfana. Hace tiempo que su madre se fue, y su adorado y alocado padre siempre está de juerga. Hushpuppy debe arreglárselas como puede en medio de la nada, rodeada de animales semisalvajes. Percibe la naturaleza como una frágil red poblada de cosas que viven, respiran y expelen agua, y que el universo depende de que todo encaje a la perfección. Pero cuando una tormenta eleva las aguas alrededor de su pueblo, su papá enferma de pronto, y Hushpuppy descubre que el orden natural que tanto ama está a punto de derrumbarse. En un intento desesperado por reparar la estructura del mundo y así salvar a su padre y su hogar, esta diminuta heroína deberá aprender a sobrevivir a una catástrofe imparable de proporciones épicas.

¿Qué podemos esperar? La gran sorpresa de las nominaciones de los Oscar que habrá que ver aunque sólo sea para comprobar si la lluvia de alabanzas que está recibiendo es merecida o no.

‘El vuelo’

 

Dirección: Robert Zemeckis. Título original: Flight. País: USA. Año: 2012. Duración: 138 min. Género: Drama. Interpretación: Denzel Washington (Whip Whitaker), Kelly Reilly (Nicole Maggen), Don Cheadle (Hugh Lang), Bruce Greenwood (Charlie Anderson), Brian Geraghty (Ken Evans), Melissa Leo (Ellen Block), John Goodman (Harling Mays), Nadine Velazquez (Katerina), Tamara Tunie (Margaret Thomason), James Badge Dale, Garcelle Beauvais (Deana). Guion: John Gatins. Producción: Laurie MacDonald, Jack Rapke, Robert Zemeckis, Steve Starkey y Walter F. Parkes. Música: Alan Silvestri. Fotografía: Don Burgess. Montaje: Jeremiah O’Driscoll. Diseño de producción: Nelson Coates. Vestuario: Louise Frogley. Distribuidora: Tripictures. Estreno en USA: 2 Noviembre 2012.

Sinopsis: Whip Whitaker (Denzel Washington) es un experimentado piloto de avión que consigue realizar un milagroso aterrizaje forzoso salvando a casi todos los pasajeros de un vuelo. Después del accidente, Whip se convierte en un héroe, pero según se va desarrollando la investigación, van surgiendo muchas preguntas sobre lo que sucedió exactamente.

¿Qué podemos esperar? El regreso de Zemeckis al cine de actores con carne y hueso tras muchos años centrado en la animación. Se habla muy bien de la secuencia del accidente del avión y de la actuación de Denzel Washington, pero hay opiniones muy enfrentadas sobre lo demás. Yo la veré lo antes que pueda.

‘Movie 43’

 

Dirección: Elizabeth Banks, Steven Brill, Steve Carr, Rusty Cundieff, James Duffy, Griffin Dunne, Peter Farrelly, Patrik Forsberg, James Gunn, Bob Odenkirk, Brett Ratner, Jonathan van Tulleken. País: USA. Año: 2013. Duración: 97 min. Género: Comedia. Interpretación: Emma Stone (Veronica), Gerard Butler (duende), Hugh Jackman (Davis), Elizabeth Banks (Amy), Dennis Quaid (Charlie), Chloë Grace Moretz (Amanda), Kristen Bell (Supergirl), Anna Faris (Vanessa), Naomi Watts (Samantha), Kate Winslet (Beth), Uma Thurman (Lois Lane), Halle Berry (Emily), Josh Duhamel (Anson), Richard Gere (jefe), Kate Bosworth (Arlene), Chris Pratt (Jason), Jason Sudeikis (Batman), Kieran Culkin (Neil), Patrick Warburton (padre), Christopher Mintz-Plasse (Mikey), Justin Long (Robin), Liev Schreiber (Robert), Johnny Knoxville (Pete), Terrence Howard (entrenador), Aasif Mandvi (Robert), Leslie Bibb (Wonder Woman), Seann William Scott (Brian), Bobby Cannavale (Superman), Jimmy Bennett (Nathan), Greg Kinnear (Griffin). Guion: Will Carlough, Steve Baker, Patrik Forsberg, Matthew Alec Portenoy, Greg Pritikin, Rocky Russo, Jeremy Sosenko y Elizabeth Wright Shapiro. Producción: Ryan Kavanaugh, John Penotti, Charles B. Wessler y Peter Farrelly. Música: William Goodrum. Fotografía: Frank G. DeMarco, Steve Gainer, William Rexer y Tim Suhrstedt. Montaje: Jon Corn, Debra Chiate, Craig Herring, patrick J. Don Vito, Jason Macdonald, Sam Seig, Cara Silverman, Paul Zucker, Hakan Wärn y Sandy S. Solowitz. Diseño de producción: Tim Burgin, Toby Corbett, Russell Barnes, Robb Wilosn King y Arlan Jay Vetter. Vestuario: Roseanne Fiedler, Nancy Ceo, Sydney Maresca, Kerrie Kordowski, Salvador Pérez Jr. y Judianne Makovsky. Distribuidora: DeAPlaneta. Estreno en USA: 25 Enero 2013.

Sinopsis: Película compuesta de sketches cómicos y un reparto plagado de estrellas. Los protagonistas son dos hermanos que buscan en internet la mítica “Movie 43”, prohibida en casi todo el mundo.

¿Qué podemos esperar? Una comedia paródica con un reparto que quita el hipo. Lo más probable es que sea un completo desastre o que solamente alguna de sus historias sea realmente graciosa.

‘La banda Picasso’

 

Dirección y guion: Fernando Colomo. País: España. Año: 2013. Duración: 100 min. Género: Comedia. Interpretación: Ignacio Mateos (Pablo Picasso), Pierre Bénézit (Guillaume Apollinaire), Lionel Abelanski (Max Jacob), Raphaëlle Agogué (Fernande Olivier), Jordi Vilches (Manolo Hugué), Louise Monot (Marie Laurencin), Stanley Weber (George Braque), Alexis Michalik (El Barón). Producción: Beatriz de la Gándara. Música: Juan Bardem. Fotografía: José Luis Alcaine. Montaje: María Lara y Antonio Lara. Dirección artística: Patrice Vermette. Vestuario: Vicente Ruiz. Distribuidora: Alta Classics.

Sinopsis: París, 1911. La Gioconda desaparece del Louvre. Pablo Picasso y Guillaume Apollinaire son detenidos y enfrentados. Pablo recuerda cómo Guillaume le había presentado a un atlético joven a quien llaman El Barón y que, al enterarse de su fascinación por unas estatuas ibéricas, decide robarlas del Louvre y vendérselas a un precio ridículo. Aquellas estatuas fueron cuatro años antes la inspiración del primer cuadro cubista, “Las señoritas de Avignon”. Pablo es español, Guillaume es polaco y El Barón es belga. Y la prensa habla de una banda internacional llegada a Francia para desvalijar los museos. “La banda Picasso” está basada en la historia real del robo de “La Gioconda” del Museo del Louvre en 1911; a raíz de aquel hecho, Pablo Picasso y Guillaume Apollinaire fueron detenidos y acusados de cometer el delito.

¿Qué podemos esperar? Una comedieta española de escaso nivel que no sabrá desarrollar su simpática premisa.

‘Coriolanus’

 

Dirección: Ralph Fiennes. País: Reino Unido. Año: 2011. Duración: 123 min. Género: Drama. Interpretación: Ralph Fiennes (Cayo Marcio Coriolano), Gerard Butler (Tullus), Brian Cox (Menenius), Vanessa Redgrave (Volumnia), Jessica Chastain (Virgilia), James Nesbitt (Sicinius), Lubna Azabal (Tamora), Dragan Micanovic (Titus Lartius), John Kani (general Cominius). Guion: John Logan; basado en la obra de William Shakespeare. Producción: Ralph Fiennes, Gabrielle Tana, Julia Taylor-Stanley y Colin Vaines. Música: Ilan Eshkeri. Fotografía: Barry Ackroyd. Montaje: Nicolas Gaster. Diseño de producción: Ricky Eyres. Vestuario: Bojana Nikitovic. Distribuidora: Emon. Estreno en Reino Unido: 20 Enero 2012.

Sinopsis: Coriolanus regresa a su patria como gran triunfador tras vencer a los invasores. Sin embargo, sus políticas le hacen impopular entre sus conciudadanos, que le condenan al exilio. Coriolanus, en un ataque de furia, se une a sus rivales para atacar a su país y se pone a las órdenes del que hasta ahora había sido su enemigo. Pero Coriolanus, ante su ciudad, dudará entre su orgullo y su patriotismo.

‘El cuarteto’

 

Dirección: Dustin Hoffman. Título original: Quartet. País: Reino Unido. Año: 2012. Duración: 95 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Maggie Smith (Jean Horton), Tom Courtenay (Reginald Paget), Billy Connolly (Wilf Bond), Pauline Collins (Cissy Robson), Michael Gambon (Cedric Livingston), Sheridan Smith (Dra. Lucy), Trevor Peacock (George), Michael Byrne (Frank White), Eline Powell (Angelique), Luke Newberry (Simon). Guion: Ronald Harwood, basado en su obra. Producción: Finola Dwyer y Stewart Mackinnon. Música: Dario Marianelli. Fotografía: John de Borman. Montaje: Barney Pilling. Diseño de producción: Andrew McAlpine.Vestuario: Odile Dicks-Mireaux. Distribuidora: Vértigo Films. Estreno en Reino Unido: 1 Enero 2013.

Sinopsis: La Casa Beecham es un hervidero. Circula el rumor de que esta residencia para músicos retirados pronto acogerá a un nuevo huésped. Y se dice que será alguien famoso. Para Reginald Paget (Tom Courtenay), Wilfred Bond (Billy Connolly) y Cecily Robson (Pauline Collins) es solo un cotilleo más. Cuando de repente ven entrar por la puerta a su ex compañera del cuarteto, Jena Horton (Maggie Smith), se quedan en estado de shock. Su carrera como solista, con el ego correspondiente que le acompañaba, acabó no sólo con su gran amistad, sino también con su matrimonio con Reggie, el cual se toma las nuevas noticias muy mal. ¿Puede el tiempo cerrar viejas heridas? ¿Podrá el famoso cuarteto solventar sus diferencias para la celebración de la gala en La Casa Beecham?

¿Qué podemos esperar? Una cinta en la que brillará su reparto mayoritariamente inglés, pero en la que no tengo demasiada fe más allá de ese punto. Una lástima que Dustin Hoffman se limite únicamente a su puesta en escena.

‘Il villaggio di cartone’

 

Dirección y guion: Ermanno Olmi. País: Italia. Año: 2011. Duración: 87 min. Género: Drama. Interpretación: Michael Lonsdale (cura), Rutger Hauer (sacristán), Massimo De Francovich (doctor), Alessandro Haber, Irma Pino Viney (Magdahà), Fátima Alì (Fátima). Producción: Luigi Musini. Música: Sofia Gubaidulina. Fotografía: Fabio Olmi. Montaje: Paolo Cottignola. Diseño de producción: Giuseppe Pirrotta. Vestuario: Maurizio Millenotti. Distribuidora: Paco Poch Cinema. Estreno en Italia: 7 Octubre 2011.

Sinopsis Un anciano sacerdote (Michael Londsale) observa, con impotencia, la desacralización de su parroquia, que tiene que cerrar las puertas a causa de la ausencia de fieles y de las desavenencias con el sacristán. Todos los elementos de culto de la iglesia se retiran; incluso el gran crucifijo del altar. El párroco se resiste a abandonar lo que había sido su casa al mismo tiempo que experimenta una crisis de fe. Aquella misma noche, un grupo de inmigrantes clandestinos procedentes del norte de África se refugian dentro de la iglesia, ya desmantelada. El sacerdote decide concederles asilo y protegerles lo mejor que puede, prohibiendo la entrada a las fuerzas de seguridad. Totalmente dedicado al deber de solidaridad, el cura se entregará a los indigentes hasta agotar sus últimas fuerzas. Su vida, que hasta entonces reposaba en la palabra de Dios, toma una nueva dirección con el acto de la caridad. “Cuando la caridad es un riesgo, es el momento de la caridad”, dirá. Descubre así el poder del bien más allá de la fe y el verdadero significado de la vida.

¿Qué podemos esperar? La película artística de la semana, con una marcada carga religiosa que, al menos para mí, – casi- siempre suele quitar atractivo a cualquier propuesta cinematográfica-

Autor: Mikel Zorrilla (Blog de cine)

'El vuelo', Denzel Washington por todo lo alto

‘El vuelo’ (‘Flight’, Robert Zemeckis, 2012) supone la vuelta de su director al cine de imagen real, tras estar toda una década obsesionado con la animación —y yo diría con resultados estimables—, cogiendo para ello un libreto escrito por John Gattins, quien se inspiró muy levemente en un suceso real acaecido en California hace más de una década, en la que un accidente aéreo acabó con toda la tripulación y los pasajeros. También puede venir a la mente el famoso caso del piloto que aterrizó su avión en el río Hudson sin haber una sola víctima. Pero aunque el punto de partida pueda ser ese, la historia que Zemeckis pone en imágenes se aparta totalmente de las producciones centradas en catástrofes de esta índole, al contrario se opta por centrarse en las consecuencias personales del piloto tras el incidente. Un drama intimista vestido de superproducción.

Y al respecto decir que el mismo director ha confesado que esta ha sido su película más barata desde hace muchos años, un drama que en cierto modo enlaza con la última película en imagen real, ‘Náufrago’ (‘Cast Away’, 2000).Si en aquella un hombre se sentía solo en una pequeña isla desértica, experiencia que le hacía renacer de nuevo, en esta nos encontramos ante un hombre que se encuentra solo tras una enorme catástrofe que logra evitar en gran medida, debido a problemas personales. Un viaje hacia su propio infierno que le hará revivir de nuevo. El resultado es otro ejemplo del buen narrar de Zemeckis, aunque esta vez hay quedado lastrado por no haber tenido el valor suficiente de llegar hasta las últimas consecuencias.

(From here to the end, Spoilers) Whip Whitaker (Denzel Washington) es un piloto de avión que es puesto en tela de juicio por sus adiciones al alcohol y las drogas. A pesar de ser visto por media nación como el héroe que salvó la vida a casi un centenar de personas, el hecho de que podría haber estado borracho o drogado antes y durante el accidente abrirá una investigación que amenaza con meter a Whip en la cárcel de por vida. A priori parece el típico melodrama sobre un hombre que puede perderlo todo por ser un alcohólico, pero la fina dirección de Zemeckis marca la diferencia, visualizando como nadie los puntos más interesantes del guión, algo maniqueo, de Gattins. Tras dos tercios casi sublimes, en los que parecemos asistir a un descenso a los infiernos de alguien que lo tenía todo, nos cuelan un final moralizante que si bien no logra estropear por completo la calidad del producto, sí desentona con el resto.

Por lo que acabo de decir parece que ‘El vuelo’ me ha parecido un film faliido o algo parecido. No. me ha parecido una buena película que podría haber sido muy grande. La nominación al Oscar para Denzel Wasinghton es sin duda muy merecida —realmente este año, en esa categoría, y en otras muchas, la calidad es altísima—, prácticamente él lleva todo el peso del film, y aunque se trata uno de esos personajes que al actor le van de maravilla, lo cierto es que el intérprete logra despojarse de algunos tics adquieridos con los años y consigue una interpretación alejada de todo lucimiento. Baste mirar los instantes en los que el personaje consume cocaína, de un control absoluto, o la inquietante secuencia de la visita a su ex-mujer e hijo. Todo un derroche de buen hacer de un actor que va camino de situarse entre los más grandes —de la historia, me refiero—.

También está el excelente ritmo que le imprime Zemeckis a la historia con momentos cumbre como el del accidente, filmado con todo luejo de detalles. Un momento lleno de tensión que supone todo un punto de inflexión en la vida de Whip. Con una investigación sobre su cabeza deberá encauzar su vida por el buen camino, algo que le será muy difícil de realizar, a pesar de contar con el apoyo de su abogado, que hará cosas ilegales por protegerle, o Nicole (Kelly Reilly), una mujer ex adicta que conoció en el hospital —fascinante su primer encuentro en las escaleras de servicio del hospital, junto con otro personaje al que da vida el televisivo James Bagde Dale—, y cuya presencia sirve para subrayar el carácter solitario de Whip, incapaz de conectar emocionalmente con alguien. En ningún momento juzga Zemeckis las acciones de su a ratos mezquino personaje central, y tampoco le viste de gloria. Pero le redime en lo que parece un acto de cobardía final.

Me refiero al momento en el que Whip debe recurrir a su compañero de juergas, y suministrados de sustacias por doquier, Harling Mays, a cargo de una sensacional John Goodman. En dicho instante y en el que le sigue inmediatamente se ponen todas las cartas sobre la mesa, la más sangrante ironía se apodera del relato, llamando a cada cosa lo que es, y en lugar de aprovecharlo, en lugar de terminal el film por todo lo alto, este se vuelve peligrosamente moralizante en el que no faltan sospechosas menciones a Dios. Una final demasiado blando y aleccionador que estropea las posibilidades más oscuras de un relato en el que cualquiera puede verse identificado.

Con todo, se celebra el regreso de Zemeckis a la imagen real, en la que sigue siendo un perfeccionista. Con un poco más de arrojo el drama podría ser su género.

Autor: Alberto Abuín (Blog de cine)

Crítica de "Movie 43"

Hugh Jackman, Halle Berry, Emma Stone, Chloë Grace Moretz, Gerard Butler, Elizabeth Banks, Kristen Bell, Naomi Watts, Chris Pratt, Kate Winslet, Anna Faris, Richard Gere, Josh Duhamel, Uma Thurman, Christopher Mintz-Plasse, Patrick Warburton, Seann William Scott, Liev Schreiber, Justin Long, Kieran Culkin, Kate Bosworth, Jason Sudeikis, Leslie Bibb, Terrence Howard, Johnny Knoxville, Stephen Merchant... estos son los argumentos de 'Movie 43', un título tan irrelevante, aleatorio y fortuito como podría haber sido otro cualquiera, y que ha sido puesto ahí porque algo había que poner en el cartel para identificar un producto que, en resumen, viene a ser tan estúpido como cualquiera de las dos últimas entregas de 'Torrente' en donde la gracia, al final y en raciones tan escuetas como la Nespresso, casi se ve limitada a ver quien es el que sale a continuación. Porque por lo demás... no mucho más, o al menos no mucho más a donde agarrarse que no sean los machos.

¿Se acuerdan de la expresión aquella de "se me han puesto los huevos de corbata"? Perfectamente esta expresión podría haber sido el origen de 'Movie 43', antología de pretendido carácter cómico que como toda antología cinematográfica surge de la suma y/o selección -según su definición estándar- de una serie de capítulos/episodios/sketches empaquetados dentro de un mismo envoltorio y para su disfrute en una sola sesión, sin intermedio ni anuncios entre medias, todos a uno y uno para todos. Según su definición el término "antología" también se refiere a "algo que es digno de ser destacado", e incidiendo más en la herida, incluso algo "extraordinario". 'Movie 43' no es lo uno ni lo otro, de ahí que sea más correcto hablar de una simple suma de resultados más bien negativos, por cierto, y en donde apenas destacan tres o cuatro skecthes que den sentido a la función y realmente dignos de ser cortejados con las risas (o algo parecido) del respetable de principio a fin, lo único que importa de esta especie de versión descafeinada para la gran pantalla de 'La hora de José Mota' con tacos en vez del Tío la Vara.

Porque la verdad, cualquier persona con dos dedos de frente y un mínimo de cordura y sentido común debería de dar por sentado que 'Movie 43', o algo que pueda ser llamado así, nunca va a ser lo que tradicionalmente se considera una buena película... es más, lo más posible es que siquiera sea una película, a secas. Y más le vale, porque en gran medida tiene que asumir lo mismo que sus responsables habrán asumido desde el principio para no dejar que la bilis haga mella en su estado de ánimo: que siquiera merece la pena... intentar disimular, porque en el fondo "la verdad os hará libres" como decía un tal Jesús, aunque sea libres para hacer el estúpido de forma harto gratuita y superficial, y tan sólo ocasionalmente, que las antologías hacen de la irregularidad un modo de vida, de manera realmente convincente y/o divertida. 'Movie 43' es una estupidez carente de valor cinematográfico similar, a lo bruto, a lo que podría ser un producto del estilo a 'Jackass' o 'Never Say Never', un simple fast food envuelto en celuloide para el consumo principalmente en grupo a orillas de los grandes centros comerciales. Pero la gracia se le acaba tan pronto y tan deprisa que ni aún así, ni aún siendo conscientes de sus auto impuestas limitaciones podemos darle un mínimo beneficio de la duda: aún siendo mala sigue siendo mala incluso para ser mala, y la culpa no la tiene la sociedad.

La pesadilla de todo crítico con aires de gourmet, una patada en el culo para un estudiante de cine, una broma pesada para quien se guíe sólo por los carteles. ¿Por qué la expresión aquella "se me han puesto los huevos de corbata" podría ser el origen de la cinta? Porque esa idea sustenta el mejor sketch de la cinta, el primero por desgracia, y que bien puede servir para justificar el por qué de una antología: para dar salida a una idea que no da por sí sola para una película... aunque parte de las cosas que la rodeen, pongamos por caso el endeble hilo argumental que en teoría relaciona unas historias con otras o algún que otro sketch, sean puro relleno para alcanzar la línea de salida. 'Movie 43', como concepto y/o idea podría no estar mal de haberle dado algo más de empaque, y sobre todo de habérselo currado bastante más, de haber trabajado más en un proyecto que en ocasiones parece rodado por compromiso y/o aburrimiento durante un fin de semana libre, casi lo menos que un vídeo casero de esos que tanto polvo cogen en las estanterías de la casa de cada uno. Y aunque te llames como te llames, si no tiene gracia no tiene gracia... y 'Movie 43' tiene poca, una estupidez que demasiado pronto deja en evidencia que es una estupidez. Con 'La hora de José Mota' al menos siempre se puede cambiar de canal...

Autor: Juan Pairet Iglesias (El Séptimo Arte)

'El cuarteto': La arruga es bella

Después de más de 45 años dedicado a tiempo completo a la interpretación ese pequeño gran actor que no necesita presentación alguna y responde al nombre de Dustin Hoffman ha decidido probar suerte en la dirección con 'El cuarteto', modesto y humilde filme en espíritu, maneras, ambiciones y resultados que no por casualidad se hace fuerte en aquello que mejor conoce Hoffman, las interpretaciones de su reparto (muchos de ellos músicos de verdad retirados), y que junto a la siempre bienvenida música de Verdi o Puccini, la cual nos acompañará entre dientes a la salida del cine por unas cuantas horas, acaparan casi todo el interés de la función. Un filme poco más que correcto y discreto que cumple y funciona de manera igualmente discreta con el que Hoffman, más que pretender dar un primer paso hacia la dirección, se diría que simplemente se ha permitido el capricho de experimentar que hay "al otro lado", sin más.

Esta experiencia en la dirección de Dustin Hoffman forma parte de ese cada vez más relevante e importante subgénero cinematográfico que, dicho sea con la misma acritud y mala leche de la que por norma suele carecer, podríamos definir como "cine de y/o para viejos"; dicho de otra manera algo más educada y en inglés, por aquella de que siempre queda más "cool", una dramedia "oldie". Un subgénero marcado por un tono claramente optimista que casi siempre se suele valer del sentido del humor como revulsivo contra los achaques de la edad; situado a mitad de camino y con amabilidad entre la ligereza del carpe diem y el poso emotivo que deja toda una vida por detrás; de un aspecto formal elegante pero más bien sencillo, práctico y sobre todo dinámico; de argumentos particularmente tan simples, directos y sinceros que casi siempre definen la palabra "tópico" (y típico); el tipo de cine, en resumen, seguro y que uno, se diría, recomendaría principalmente a su madre quien a buen seguro saldrá más que satisfecha.

'El cuarteto' es básicamente todo esto, un filme amable, ligero e incluso meramente alimenticio cuyas pretensiones encuentran un resultado afín tan discreto como perfectamente válido. Ni nada memorable ni tampoco nada que moleste salvo, si acaso, la posibilidad siempre presente de que con los mismos mimbres y una poca más de intención el resultado podría haber ganado en satisfacción a la par que perder parte de ese convencionalismo que, sobre todo, se apodera de su segunda y mucho más rutinaria mitad, cuando ya queda patente que no hay más de lo que se ve y el único as bajo la manga es el de la franqueza narrativa. En su descargo hay que decir que Hoffman, un monstruo delante de las cámaras, ni amaga con salirse del encuadre ni con dejarse notar de alguna manera, dándoles margen de sobra a su reparto para que disfrute y nosotros con ellos, nada que nos suponga un reto, a ellos o a nosotros, pero no por ello resuelto con menos eficiencia en ambos sentidos.

Precisamente esta palabra, eficiencia, es lo que vendría a resumir perfectamente un filme simplemente eficiente, que cumple a la hora de entretener con una sonrisa en la boca y sin complicaciones, y que si bien no marcará ningún antes ni después, si bien es posible que en el espacio de la Wikipedia dedicado a Dustin Hoffman este paso por la dirección no será más que un pequeño apunte a pie de página, los amantes de este tipo de cine sencillo, optimista y amable encontrarán motivos para salir satisfechos de la sala. Tal vez no demasiado dado que el filme, en última estancia, quizá abuse de ser demasiado sencillo, optimista y amable, de caer de forma demasiado fácil y obvia en lo convencional despreciando y/o desaprovechando esa maravillosa banda sonora que, al menos durante los primeros compases, amenaza con ser parte decisiva en la historia y no sólo su acompañamiento. Tal vez, pero la intención también cuenta... un poco.

Autor: Juan Pairet Iglesias (El Séptimo Arte)

J. J. Abrams es el elegido, dirigirá “Star Wars: Episodio VII”

El rumor más extendido en Hollywood de los últimos meses. El sueño personal de un cineasta, el mejor cine de entrenamiento actual. La noticia cinematográfica de la semana: J. J. Abrams será el director del Episodio VII de Star Wars. La saga galáctica volverá a los cines de todo el mundo en 2015 con el reebot que Disney ha lanzado tras la compra, en octubre, de Lucasfilm por más de 4.000 millones de dólares, la empresa fundada por George Lucas que gestiona los derechos de La guerra de las galaxias e Indiana Jones.

El director de Super 8, la nueva trilogía de Star Trek y creador de series como Perdidos desmintió en noviembre su vinculación al proyecto y afirmó: “Star Wars es una de mis películas favoritas de todos los tiempos. Y pienso que quien dirija la película tendrá que soportar la carga que conlleva. Nunca fui fanático de Star Trek cuando crecí. Por eso trabajar en ella no ha supuesto ningún tipo de sacrilegio. Tengo ganas de ver nuevas entregas de Star Wars, pero creo que las veré como un espectador normal”. Finalmente, el nuevo Rey Midas de Hollywood se pondrá tras las cámaras y ejercerá de alma máter de la nueva entrega de Star Wars, cuyos episodios VIII y XIX se estrenarán en 2017 y 2019, respectivamente, aunque no está confirmado que se encargue de ellos el director de Misión: Imposible 3.

Según informa Deadline, se barajó también el nombre de Ben Affleck como posible director al frente de lo nuevo de Star Wars. Finalmente, J. J. Abrams es el elegido para cumplir un sueño personal, su amor por la saga se dejó ver en múltiples referencias en la serie Perdidos y en varias entrevistas contó que le hubiera gustado dirigir un episodio. Disney le ha facilitado mucho esta posibilidad. Así pues, se pondrá al frente del guión que está escribiendo Michael Arndt, ganador del Oscar por el libreto de Pequeña Miss Sunshine y nominado por el de Toy Story 3.

Publicado en ABC http://www.abc.es/cultura/cine/20130124/abci-abrams-director-starwars-201301242339.html

Joaquin Phoenix protagonizará el nuevo proyecto de Paul Thomas Anderson, 'Inherent Vice'

Según informa The Hollywood Reporter, Joaquin Phoenix será protagonista del nuevo proyecto de Paul Thomas Anderson, 'Inherent Vice' (en España 'Vicio propio'), adaptación de la novela del autor Thomas Pynchon de 2009 descrita oficialmente como sigue:  

Se llama Sportello, Doc Sportello, y es un detective privado un tanto peculiar en el colorista Los Ángeles de finales de los años sesenta. Hacía ya tiempo que Doc no veía a su ex, Shasta, seductora femme fatale, cuando ésta recurre a sus servicios porque ha desaparecido su nuevo amante, un magnate inmobiliario que había visto la luz del buen karma, un tanto distorsionada por el ácido, y quería devolver a la sociedad todo lo que había expoliado. Sportello se ve enredado entonces en una intriga en la que los escrúpulos chispean por su ausencia y cuya trama es casi la de una novela negra clásica. 

 A partir de ahí, Thomas Pynchon pergeña un retrato desbocado de una California poblada por surfistas embriagados de la mitología de las olas gigantes, combatientes de Vietnam o agentes del FBI reconvertidos en hippies, pandillas carcelarias, la escabrosa sombra de Charlie Manson y sus acólitas, una brutal organización secreta de dentistas, polis corruptos, una protointernet o bellas masajistas de sexualidad ambigua. Todo sazonado con diálogos y guiños hilarantes, al ritmo de una frenética banda sonora que sirve de réquiem psicodélico por una época que pudo ser y no fue.

Phoenix volverá a coincidir con Anderson después de haber participado en la aclamada, 'The Master', y aunque no está confirmado, podría compartir protagonismo con Charlize Theron. Megan Ellison, de Annapurna Pictures financiará esta película que será producida por Anderson, Ellison, John Lesher y JoAnne Seller.

Autor: jescri (El Séptimo Arte)
Vía: The Hollywood Reporter