miércoles, 31 de octubre de 2012

Daniel Craig, Jean Dujardin, Cate Blanchett y Bill Murray fichan por lo nuevo de George Clooney


Por fortuna, no todo en Hollywood son comedias románticas tipicorras, secuelas cansinas, remakes innecesarios o la nueva aventura del superhéroe de turno, ya que por mucho que ocasionalmente hasta sean prometedoras, sensación que ha conseguido ‘Iron Man 3‘ (Shane Black, 2013) con su primer tráiler, uno siempre prefiere algo de variedad y riesgo, y es ahí donde hay pocas estrellas tan propensas a ello como George Clooney. Además, no sólo lo hace en la actuación, ya que también es el productor de películas como ‘Argo‘ (Ben Affleck, 2012), siendo en la dirección donde ha conseguido mostrar otra faceta de su indiscutible talento. En esta ocasión me toca hablaros de ‘The Monuments Men‘, el que será su quinto largometraje tras las cámaras.

Mi compañero Juan Luis ya nos había hablado de ‘The Monuments Men’, adaptación de una novela un ensayo histórico de Robert Edsel que ha entusiasmado tanto al protagonista de ‘Batman y Robin‘ (Batman & Robin, Joel Schumacher, 1997) que ha decidido dirigirla, protagonizarla y encargarse del libreto junto a Grant Heslov, uno de sus colaboradores habituales. Sin embargo, la gran noticia de última hora es que Clooney ha completado el reparto de la película con varios fichajes de relumbrón: Daniel Craig, Jean Dujardin, Cate Blanchett, Bill Murray, John Goodman, Hugh Bonneville y Bob Balaban se encargarán de otros roles de importancia.

Por si nos os acordáis, he de señalar que ‘The Monuments Men’ se centra en los últimos meses del régimen nazi de Hitler durante la II Guerra Mundial, cuando un grupo de expertos en arte británicos y estadounidenses acepta la peligrosa misión de intentar recuperar las obras de arte rodabas por los alemanes durante su expansión y conquista de varios países europeos. La premisa, como no podía ser de otra manera, me trae a la memoria la estupenda ‘El Tren‘ (The Train, John Frankenheimer, 1964), pero creo que es un tema con suficientes posibilidades como para que Clooney nos deleite con una gran película, algo a lo que también ayudará el estupendo reparto que ha conseguido reclutar, ¿no creéis?

PD: La banda sonora estará compuesta por Alexandre Desplat.

Autor: Mikel Zorrilla (Blogdecine)
Vía: Deadline



Crítica de "Skyfall"

La base fundamental sobre la que hay que valorar Skyfall está comentada aquí con más profundidad, pero se puede resumir en lo siguiente: ahora mismo, la franquicia está más preocupada sobre a dónde quiere llegar, que sobre el lugar en el que se encuentra en la actualidad. Y teniendo en cuenta el triste precedente establecido por Quantum of Solace, de Marc Forster, (machacada por este problema), la forma en la que se ha recuperado es admirable, pero todavía incompleta. O incompleta pero admirable, porque Skyfall establece, en sus mejores momentos, el rumbo a seguir por la saga: un espectáculo visual de pura C-L-A-S-E como no he visto en mucho tiempo en el cine de acción, cortesía de su dire de foto, Roger Deakins, sumado a un actor que ha asumido definitivamente el manto del personaje hasta una profundidad que sus predecesores no han podido rascar (por el enfoque superficial y ameno que hasta ahora había recibido la serie), y el regreso a antiguos fundamentos que parecían olvidados y que ahora regresan con nuevas energías.

Skyfall combina elementos de este nuevo James Bond de Daniel Craig (el interés por el personaje y sus tensiones con el mundo y la gente que le rodea) con tradicionalismos como la incorporación del villano rock out with the cock out. El film no termina de conseguir que ambos aspectos congenien, pero elige una solución alternativa: exagerarlos hasta el infinito y si se encuentran, pues de puta madre. Dicho de otra forma: tu Bond denso es ahora más denso (problemas familiares incluidos) y tu villano absurdo hace palidecer de envidia al Doctor Maligno. Silva (Javier Bardem) es un agente descarriado con la intención de cargarse de abajo a arriba el Mi6 terminando por M (Judi Dench). El objetivo de Bond, obviamente, es desjoder el entuerto pero la relación entre ambos va más allá de la mera misión y eso beneficia al film. Bond y Silva son conscientes de que uno es el reflejo del otro, cada uno con sus propias cicatrices. Sin embargo, lo que podría haber sido una historia de rivalidad directa termina en circunloquios y pierde gas en el momento en el que el film decide poner a M en el centro del escenario, como responsable de ambas “criaturas”, cosa que sucede durante sus buenos 70 (SETENTA, señoras y señores) primeros minutos, durante los cuales la peli va de todo menos de lo que tiene que ir, hasta que el malvado entra en acción.

 
A día de hoy, seis años después de Casino Royale, seguimos sin tener una película con Craig en “velocidad de crucero”: sus responsables sempre están iniciando algo, cerrando algo, reinventando algo, añadiendo más matices al personaje, bla, bla, bla, bla. Y, sinceramente, aquí no hay material para ello. Es difícil profundizar en la relación madre-hijo entre Bond y M cuando ambos tienden a dialogar en forma de puyitas. “¡Animal!” “¡Zorra!” y demás. La de Bond y M es un ejemplo que se aplica al resto de interacciones de nuestro protagonista: si habla con un superior, le manda a tomar por culo; si habla con el villano, es para hacerle un psicofallo y si habla con una señorita, es porque se la quiere llevar al catre. No es Hamlet pero desde hace seis años se emperran en que este tipo tiene una faceta oculta y compleja de cachorrillo desvalido que enamora a las nenas y a los tíos nos pone de los nervios porque somos fanes de las hostias, de las explosiones, de los cochazos y de las curvas. Al film le cuesta coger el ritmo. Al margen del dramón decimonónico que domina gran parte del metraje, como aventura de acción a veces es inspirada en su desarrollo (cuando cada acción de Silva obliga a una reacción de Bond, gato y ratón) y a veces es esquemática (cuando no hay Silva, Bond va a un punto A y pega leches).

Ahora que nos hemos quitado la parte más problemática… Roger Deakins. Motherfucker. Sam Mendes es el director del film y es él quien da la pertinente rienda suelta al director de foto, en la mejor tradición de sus colaboraciones con Conrad L. Hall en American Beauty y Camino a la Perdición. Bajo control, Deakins consigue dar al film un aspecto visual distintivo, algo inaudito en las 22 películas anteriores y que confieren a la película su propia personalidad. Este logro, de por sí, es para enmarcar. Pero cuando Mendes desata a este perro de la guerra (cuando el film se va a Shanghái, básicamente), entramos en otra dimensión, una que sostiene el film de tal manera que empequeñece los furtivos intentos de Forster para dar una identidad visual a la serie. Una pelea a hostias en plano fijo a contraluz ante los rascacielos de la ciudad es el momento más determinante de la franquicia desde que Sean Connery se encendiera por primera vez el pitillo. Es el momento en el que deja de ser simplemente Bond para convertirse en arte audiovisual (que es en buena medida de lo que va el cine, cullons) y cualquier paso que decidan tomar en este sentido será inmensamente apreciado por mi parte, porque es finalmente cuando Bond huele a nuevo –ojo a los momentos en Escocia, que amagan con entrar en el género de horror gótico-Hammer–. A veces, la foto de Deakins tiende a predominar en exceso sobre el resto de elementos (la peli a veces parece un anuncio de Lancome), pero si es el precio que hay que pagar, bienvenido. Demasiado es mejor que mucho.


En un término medio entre esta revolución y el anquilosamiento nos encontramos a Javier Bardem, a quien básicamente se le ha comunicado la orden de “haz lo que te salga de la polla”. Para cuando terminéis de ver el film, os aseguro que el pelazo rubio bote será lo de menos. Silva no es tanto un personaje como un concentrado de todas las características negativas de la Humanidad. Su entrada es tan monumental que solo le falta terminar su discurso de presentación violando a un panda recién nacido. Silva sirve para remachar la idea de que este concepto de “Bond amargado, profundo y realista” no es más que una parida, porque este villano no te lo encuentras ni en los tebeos. Ahora bien, Bardem va tan a muerte que el film se dispara, desapareciendo cualquier amago de sueño por mi parte. Es un actor muy por encima del papel que tiene (su plan, sin destripar nada, es absurdo) y tiene el deber de mantener la atención y, sobre todo, de ampliar el margen de maniobra del film. Bond es una peli de acción y una peli de acción llega hasta donde le permite su villano. Eso es de cajón.
Craig, finalmente, es Bond. Gustará más o menos. Es Bond. En sus buenos y malos momentos. Hijo de la Gran Bretaña (icónico plano, erguido frente a Londres; el mundo es suyo). Cuando está y cuando no está. Es Bond. Vale la pena repetirlo tres veces. Felicidades al premiado.


 Y así terminamos. Curiosa peli, Skyfall. Todavía desorientada, pero con ganas de guerra. Cerramos hablando un poquillo de sus escenas de acción, tangibles e impecables, plagadas de efectos prácticos –ESE METRO– como acostumbran los extraordinarios técnicos y stuntmen/women de Pinewood, cortesía del gran especialista de segunda unidad que es el chileno Alexander Witt y del legendario montador Stuart Baird (e hija,para seguir la tradición). Mendes prefiere delegar en ellos, y centrar sus esfuerzos en la creación de imágenes (Bond, levantando un brindis delante de unos matones). Por lo demás, Skyfall es el intento de consolidar al Bond de Craig exagerando al máximo sus virtudes y sus defectos. Ha comprobado, finalmente, qué funciona y qué no funciona. Solo falta pulir importantes detalles. Necesita un villano. Necesita a Craig. Necesita a Deakins. Ya lo tiene. Centrémonos en el siguiente paso: La Gran Aventura de James Bond. Está preparada.

Autor: Rafa Martín (Lashorasperdidas)

'The Wolverine', primer cartel de la nueva película sobre Lobezno


Había esperanzas de que 20th Century Fox aprovechara el chat online celebrado ayer sobre ‘The Wolverine’ (2013) con James Mangold y Hugh Jackman para lanzar el primer tráiler de la película, pero los fans se van a tener que conformar con la imagen que tenéis arriba, la del primer cartel oficial. A mí me encanta el diseño, ¿qué os parece a vosotros?

Este teaser póster aparece un mes después de que Fox distribuyera la primera foto de esta nueva entrega de la franquicia X-Men. Recientemente, con motivo de la revelación de una segunda imagen oficial (que tenéis abajo), Mangold quiso aclarar que ‘The Wolverine’ no es una secuela directa de ‘X-Men orígenes: Lobezno’ (‘X-Men Origins: Wolverine’, 2009) sino que harán como si ésa no hubiera existido y que la acción tiene lugar tras los acontecimientos vistos en ‘X-Men 3: La decisión final’ (‘X-Men 3: The Last Stand’, 2006). Esto da sentido al fichaje de Famke Janssen para volver a encarnar a Jean Grey, una noticia que había sorprendido a los seguidores de las adaptaciones del cómic.


‘The Wolverine’, descrita por su director como “cine negro japonés con acción de gran presupuesto “, parte de un guion escrito por Christopher McQuarrie y Mark Bomback basado en el cómic ‘Lobezno: Honor’ (1982), de Chris Claremont y Frank Miller. La trama se sitúa en Japón y gira en torno a la inmortalidad de Logan y el descubrimiento de su punto débil. Will Yun Lee, Hiroyuki Sanada, Tao Okamoto, Svetlana Khodchenkova y Rila Fukushima acompañan a Jackman y Janssen en el reparto. La película se estrena el 26 de julio, en 2D y 3D.

Autor: Juan Luis Caviaro (Blogdecine)


Bryan Singer dirigirá la nueva película de la saga X-Men


Vuelve la calma a la franquicia de X-Men. Hace unos días se supo que Matthew Vaughn había decidido no dirigir ‘X-Men: Days of Future Past’, continuación de la estupenda ‘X-Men: Primera generación’ (‘X-Men: First Class’, 2011). Desde el primer momento se dijo que 20th Century Fox quería reemplazarle con Bryan Singer y así ha sido, el acuerdo ya es oficial.

Como recordaréis, Singer dirigió ‘X-Men’ (2000) y ‘X-Men 2’ (‘X2’, 2003), y en un principio iba a encargarse también de la tercera parte pero dejó el puesto cuando le ofrecieron hacer ‘Superman Returns’ (2006). Tras dejar el género de superhéroes con la infravalorada ‘Valkiria’ (‘Valkyrie’, 2008) se lanzó a realizar una nueva versión del cuento de las habichuelas mágicas (‘Jack the Giant Slayer’) que llegará a los cines el 1 de marzo —nueve meses después de lo previsto—. Puede sonar a derrota que regrese ahora a la franquicia mutante, y como sustituto de última hora, pero creo que debemos ser optimistas, Singer siente cariño por estos personajes, tiene talento y sentido del espectáculo, y ahora también más experiencia que cuando orquestó las primeras aventuras de Lobezno y compañía; creo que no perderá la oportunidad de volver a demostrar su valía.

‘X-Men: Days of Future Past’ contará con prácticamente el mismo reparto protagonista que la anterior entrega, incluyendo a Michael Fassbender, James McAvoy, Jennifer Lawrence, January Jones y Nicholas Hoult, entre otros. Simon Kinberg firma el guion, basado en el emblemático arco argumental del cómic ‘Días del pasado futuro’, de Chris Claremont y John Byrne. El rodaje comenzará en enero y el estreno debería producirse el 18 de julio de 2014.

Autor: Juan Luis Caviaro
Vía: Deadline

martes, 30 de octubre de 2012

Crítica de "El profesor (Detachment)"


Mañana nos llega el estreno de una de las cintas que ya se han colado, sin duda, en mi top ten del mejor cine de este año. ‘El profesor (Detachment)’, de Tony Kaye, protagonizada por Adrien Brody, Christina Hendricks o Bryan Cranston, entre otros, es un retrato punzante y certero sobre varios valores de la sociedad que comienzan desde la enseñanza.

En España, estamos muy asustados, al menos, algunos de nosotros, por lo que está ocurriendo en legislación sobre educación y más aún por lo que está por venir. Por desgracia, no es un problema únicamente nacional. En EE. UU., donde transcurre la cinta que nos ocupa, los recortes también han afectado a esta área, con millones de profesores despedidos y privatizaciones de centros. Una vez leí una frase, que se le atribuía a Derek Bok, muy sabia al respecto: “Si crees que la educación es cara, ya verás la ignorancia”. Que los niños o jóvenes de ahora estén recibiendo una educación defectuosa no supone una precariedad para ellos, supone un problema futuro para toda la sociedad y así lo hace ver esta película sin discursos políticos, solo poniéndonos delante lo que hay: esa devastadora realidad.


Lo que cuenta el guion de Carl Lund no es más duro que lo que podemos leer sobre la situación real al respecto o ver en otras películas. Sin embargo, gracias al acertado tratamiento que le da Kaye, la implicación y la efectividad son totales. Todos los sucesos del film, si se hubiesen contado en cualquier otra película, especialmente en aquellas que subrayan el drama con la música y con interpretaciones cargadas de intensidad, me habría producido un gran rechazo. El tono despegado de ‘El profesor’ (‘Detachment’, 2011), que no mete el dedo en la llaga, no redunda en una eficacia menor, sino todo lo contrario: es difícil abandonar la sala sin sentir un absoluto hundimiento moral.

Brody demostró de lo que era capaz en una de las mejores películas del maestro Polanski y aquí lo vuelve a hacer, extrayendo del personaje descrito sobre el papel todo lo que se puede sacar y aportando, a partir de ahí, una inmensidad. Es frecuente encontrar en mis críticas quejas ante la escasa definición de un personaje, tanto desde el guion, como con la intervención del intérprete. Si alguien alguna vez al leer esas habituales líneas se pregunta qué quiero encontrar, aquí está la respuesta. No le falta nada a este Henry Barthes ni en sus cuestiones profesionales ni en las personales y no hay ninguna duda de qué pasa por su mente, cuáles son sus dilemas y sus conflictos. Detachment, desapego, es lo que este profesor sustituto encarnado por Brody no es capaz de sentir.


Otros de los intérpretes son James Caan, Lucy Liu, Marcia Gay Harden, Blythe Danner, William Petersen, Sami Gayle y Tim Blake Nelson. Estos y los mencionados en el párrafo inicial están perfectos. Si acaso le encuentro un punto de falta de credibilidad a la película –y queda claro que para ser el único defecto que le señalo es realmente insignificante– es una exagerada estilización de estos personajes secundarios que, no solo son atractivos y carismáticos, sino que han preservado un esmero en su estética y atuendo que claramente no encaja con las mentes deprimidas y desalentadas que estamos conociendo.

Las animaciones en stop-motion de Rebecca Foster, que juegan con una inocencia perdida, y otras de las licencias, suavizan, si esto es posible, el duro contenido del film. Resulta patente que el realizador de ‘El profesor (Detachment)’ se ha dedicado estos años en los que parecía desaparecido del cine a la publicidad, pues su atención a la estética es detallista y esmerada. El final poético en el que se superponen imágenes de decrepitud con la lectura de ‘La caída de la casa Usher’, de Poe, resulta armónico con el resto del relato, gracias a la maestría de Kaye para componer planos y para combinar un cierto efecto mágico con un realismo cruel.

Autora: Beatriz Maldivia (Blogdecine)




Jackson, Cobie Smulders y Frank Grillo se suman a 'Captain America: The Winter Soldier'


Mientras en DC Comics/Warner rezan para que ‘El hombre de acero’ (‘Man of Steel’, Zack Snyder, 2013) sea un éxito y prepare el terreno para la prometida ‘Liga de la Justicia’ (‘Justice League’, ¿?), Marvel/Disney sigue adelante con sus numerosas y rentables producciones. Hoy toca hablar de las novedades en el reparto de una de las secuelas que tienen en marcha, ‘Captain America: The Winter Soldier’ (Anthony y Joe Russo, 2014).

Hace unos días se supo que Frank Grillo —‘Warrior’ (Gavin O´Connor, 2011), ‘Infierno blanco’ (‘The Grey’, Joe Carnahan, 2011)— había mantenido una reunión con los responsables de la continuación de ‘Capitán América: El primer vengador’ (‘Captain America: The First Avenger’, Joe Johnston, 2011) para encarnar el nuevo villano, el mercenario Crossbones, que tiene pinta de ser el Bane de esta franquicia. El fichaje de Grillo se hizo oficial ayer y desde hoy sabemos que Scarlett Johansson, Samuel L. Jackson y Cobie Smulders también formarán parte del reparto, repitiendo los papeles de Viuda Negra, Nick Furia y Maria Hill.

A estos cuatro nombres hay que sumar los ya confirmados: Chris Evans, Anthony Mackie y Sebastian Stan. Falta por saber quién interpretará a la nueva chica del protagonista, que tiene que olvidar a su amada Peggy Carter (Hayley Atwell); se dice que Marvel quiere a Mary Elizabeth Winstead pero de momento es solo un rumor. Los hermanos Russo —responsables de ‘Tú, yo y ahora… Dupree’ (‘You, Me and Dupree’, 2006) y bastantes capítulos de la imprescindible ‘Community’ (2009-2012)— dirigirán ‘Capitán América: The Winter Soldier’ a partir de un guion de Christopher Markus y Stephen McFeely. La película se estrenará el 4 de abril de 2014.
PD: Actualmente se rueda ‘Thor: The Dark World’ (2013, Alan Taylor), con Chris Hemsworth, Natalie Portman, Anthony Hopkins, Tom Hiddleston y Christopher Eccleston, entre otros.

Crítica de “Decisión Crítica”

Pablo Campillo

Continuamos con el especial de cine de acción y hoy toca reivindicar una película injustamente valorada en mi opinión, Decisión Crítica (Executive Decision). Rodada en 1996 por Stuart Baird, siendo su primera película hasta esa fecha. Sin embargo, ya contaba con un amplio bagaje como montador de importantes films; suyos son los montajes de “El último Boy Scout”, “Superman”, “La profecía” y también la última película de James Bond, “Skyfall”, que llegará a los cines mañana.

Una de aviones secuestrados

El argumento de la película no es nada del otro mundo. Unos terroristas árabes secuestran un boeing 747 con 400 pasajeros que se aproxima a Washington. Los asaltantes reclaman la liberación de uno de sus compatriotas secuestrado recientemente por el gobierno estadounidense. Sin embargo, el verdadero plan es estrellar el avión contra EEUU con un gas nervioso que viaja en su interior. Para ello, el coronel Austin Travis (Steven Seagal) idea un alocado plan; asaltar el avión en pleno vuelo.

La sombra del argumento de “La jungla de Cristal” planea fuerte sobre la película, ya que abrió un subgénero de cine de secuestros y acción con héroe salvador, apareciendo luego films como “Alerta Máxima 1 y 2” o la surrealista “Air Force One”. 


Lo primero que me llama la atención es lo premonitorio del argumento firmado por Jim Thomas y John Thomas, ya que la realidad terminó superando a la ficción cinco años después. Terrorismo aparte, hablemos del film, que es el cometido de la crítica.

El montador que quiso ser director

Como he comentado arriba, la película no aportada nada nuevo al panorama cinematográfico, se limita a ofrecer un entretenimiento propio de una superproducción de estas características, en el que los americanos son muy buenos y muy listos, y los árabes muy malos y muy radicales. Sin embargo, dentro de los convencionalismos, encuentro una película que se deja ver, bien dirigida, sin movimientos ostentosos de cámara ni filigranas visuales al estilo Michael Bay, con un estilo neutro, incluso clásico, con la cámara bien colocada, dejando que la acción fluya. Fruto del trabajo; por otra parte, de la colaboración del director en sus años de montaje con directores como Richard Donner. La fotografía cumple su cometido, contrastando la luz neutra de fluorescentes del avión con la oscuridad de los compartimentos inferiores de equipaje y demás tramos del avión.


La banda sonora, compuesta por el fallecido Jerry Goldsmith, cumple con su cometido con un par de piezas llamativas como la de los títulos de crédito iniciales extendida luego durante los tramos del avión con otro ritmo. Tener a Jerry como compositor siempre es, cuanto menos, garantía de calidad.

La tensión, aunque previsible, ya que el espectador sabe de sobra que sucederá; se mantiene a lo largo de todo el film, si obviamos claro, la exageración para llevar a cabo el asalto al avión, el resto del film de deja ver.

Spoilers on

Lo que más llama mi atención del film es la muerte de Steven Seagal, una decisión, cuanto menos, crítica y acertada, dejando todo el peso del film a los hombros de Russell. Lo que podría plantearse como un interesante duelo actoral entre ambos (teniendo en cuenta las limitaciones de Seagal para la interpretación), se viene abajo antes de la primera mitad del film con la muerte de Travis (Seagal), que por aquel entonces aún seguía siendo una gran estrella antes de que llegará su decadencia. Recuerdo ver morir a Seagal en el cine y como me pillo de sorpresa, imagino que igual que a muchos de los presentes. 

Spoilers off

El resto del reparto se encuentra bastante bien compensado, encontrado caras conocidas como la de Halle Berry antes de convertirse en una estrella. Si bien no hacen grandes interpretaciones si que están bastante correctos dentro de sus esquemáticos personajes. Especialmente Russell, héroe forzado de la función que se encuentra especialmente cómodo con su papel. 


En definitiva, film rutinario de acción propio de los años noventa del cine americano, que se deja ver y que entretiene, pues ese es su cometido. Aprovecho esta crítica para valorar debidamente esta película como lo que es, un film para pasar un par de horas pegado a la televisión y desconectar. Decisión Crítica forma parte de un tipo de cine de acción americano cuya magia se ha perdido con estos últimos años en los que premian los efectos digitales y el ordenador; frente a la artesanía del producto que nos ocupa.




Trailer Red Band de "Hansel y Gretel, Cazadores de Brujas"


Esta mañana ha salido el trailer Red Band de la nueva película de Jeremy Renner, "Hansel y Gretel, Cazadores de Brujas".

Una nueva adaptación del cuento de los hermanos Grimm que a raíz de lo visto en este nuevo avance, parece que va a ser más violenta y sangrienta de lo que a priori se podía pensar. Veremos que sale de este batiburrillo, algo entretenido o un bodrio parecido al de "Caperucita" estrenado hace un par de años.

Habrá que esperar hasta enero para el estreno de la película.

Autor: Pablo Campillo

lunes, 29 de octubre de 2012

Crítica de "Argo"


Uno de los temas a los que recurre constantemente el cine norteamericano es el del tipo normal y corriente que por singulares circunstancias se convierte en un héroe. El nuevo y esperado trabajo de Ben Affleck, ‘Argo’ (2012), parte de una historia real para narrar la peripecia de un hombre que actuó de un modo extraordinario. Sin embargo, lo que podría haber resultado una apasionante aventura dramática se queda solo en un eficaz entretenimiento con un magnífico envoltorio.

Chris Terrio firma el guion de ‘Argo’, basado en un artículo escrito por Joshuah Bearman, “Cómo la CIA utilizó una falsa película de ciencia ficción para rescatar a los americanos de Teherán”. El título resume perfectamente la trama del tercer largometraje como director de Affleck, que al igual que hizo en ‘The Town: Ciudad de ladrones’ (‘The Town’, 2010) quiso reservarse el jugoso papel principal. En este caso, el agente Tony Méndez, un héroe anónimo durante casi veinte años, hasta que la CIA desclasificó la historia de cómo salvó a seis diplomáticos estadounidenses gracias a un aparentemente disparatado plan. La adaptación se toma importantes licencias creativas, sobre todo durante el tramo final (y se nota).


A finales de 1979, la embajada de EE.UU. en Teherán es asaltada y casi todos sus empleados son retenidos como prisioneros. Pero seis de ellos logran escapar aprovechando el caos y se ocultan en la casa de un embajador canadiense. Varias estrategias se ponen en marcha para intentar rescatarlos; la idea menos mala (así es presentada a la Casa Blanca) la aporta Méndez, a quien se le ocurre viendo ‘La conquista del planeta de los simios’ (‘Battle for the Planet of the Apes’, J. Lee Thompson, 1973) que pueden usar la excusa de un falso rodaje de una película de fantasía para sacar de Irán a sus compatriotas. Con la ayuda del maquillador John Chambers (John Goodman) y el productor Lester Siegel (Alan Arkin), Méndez viaja a Teherán como productor de cine en busca de localizaciones. Los seis diplomáticos deben simular ser canadienses que forman parte del equipo de filmación para burlar a las autoridades y volver a América…


Descubrir el nombre de George Clooney entre los productores me ha llevado a comparar su exigente y estimulante trayectoria como realizador con la de Ben Affleck, que no termina de despegar, aunque de momento está consiguiendo el apoyo de la crítica (conformista) y productos rentables para la Warner, por lo que no sería de extrañar que pronto lograse un Oscar. Y es curioso que Clooney, con más talento para la interpretación, prefiera centrarse en la puesta en escena y ceder el protagonismo a otros actores (Sam Rockwell, David Strathairn y Ryan Gosling encabezaron los repartos de tres de sus cuatro películas como director), mientras Affleck, tras dar una oportunidad a su hermano Casey en ‘Adios pequeña, adiós’ (‘Gone Baby Gone’, 2007), esté aprovechando el prestigio que ha ganado prematuramente como cineasta para intentar destacar como actor.


Y el hombre sigue tropezando en la misma piedra. Vuelve a componer un personaje apagado, carente de vida y de interés, un tipo gris e inexpresivo que bebe y fuma mucho y mira a la cámara básicamente con dos registros: boca abierta y boca cerrada. No tengo nada en contra de Affleck, es más, me cae simpático, defiendo su trabajo con Kevin Smith y aplaudo sus esfuerzos como cineasta, pero se está equivocando eligiendo personajes excesivamente serios, se le ve forzado y no aporta nada más allá de su físico. Por suerte tiene la inteligencia de rodearse de actores que en cierto modo maquillan sus limitaciones. Goodman, Arkin y Bryan Cranston sobresalen en un elenco en el que también destacan las breves intervenciones de Victor Garber, Titus Welliver, Zeljko Ivanek, Kyle Chandler o Chris Messina.

Scoot McNairy encarna al único de los miembros de la embajada con cierta entidad, con algo que aportar; los otros son gente asustada que expresa su nerviosismo, no hay nada que les caracterice aparte de detalles superficiales. Casi todos los personajes son esquemáticos pero la experiencia y el talento eleva algunas interpretaciones. Uno de los problemas del film es que hay demasiados personajes, cuando todo está centrado en seguir a Méndez trazando el plan, metiéndose en la boca del lobo e intentando salir con seis vidas más bajo el brazo. Affleck logra recrear un momento histórico conflictivo y mueve la cámara con competencia, pero las trampas para extender el suspense resultan demasiado evidentes. Recuerdo la comparación del cine con la magia: el mago debe lograr que olvides que hay truco y disfrutes de la ilusión. En ‘Argo’ ves el truco y tienes que hacerte el despistado.

Autor: Juan Luis Caviaro (Blogdecine)

Crítica de "Sinister"


Ya que el 1 de noviembre es fiesta, los estrenos de esta semana, se adelantan al miércoles, día que llegará a las pantallas ‘Sinister’ (2012), de Scott Derrickson. Se trata de una cinta de terror, protagonizada por Ethan Hawke, en el papel de un escritor de libros que explotan el morbo de asesinatos ocurridos en pequeñas localidades.

Las ideas en las que se basa la premisa terrorífica de ‘Sinister’ no suponen ninguna novedad con respecto a otras propuestas del género: tenemos monstruos de corta edad, películas caseras encontradas, asesinos en serie, sangre, un ático polvoriento, violencia familiar… La coctelera se agita y el resultado sale bastante airoso, pero más que por cualquiera de los aspectos siniestros, por el retrato humano que realiza la cinta, al cual contribuye en gran medida la intervención de Hawke.

Las desdichas de un escritor

Ayer comentábamos lo difícil que era creerse a un actor concreto como novelista. En este caso, aunque la película no se centre en ese retrato, pues su pretensión principal va por otro lado, y aunque el protagonista sea un autor de nulo prestigio; comprendemos mucho mejor sus cuitas y dificultades, ya que la creación del personaje es mucho más rica y certera. El lujo de contar con Ethan Hawke para una de terror no solo reporta la opción de colocar un nombre célebre en el cartel, sino también la posibilidad de penetrar con habilidad en la mente del protagonista.



En ese aspecto costumbrista y humano, encontramos también algún problemilla, pero de importancia nimia. Ya costaba creerse en 1980 a una mujer que acompaña, junto a su hijo pequeño, a su marido a un hotel desierto sin más propósito que el de estar allí mientras él escribe –todo el mundo sabe a qué película me refiero–. Transcurridas más de tres décadas, resulta directamente inverosímil. Por mucho que pueda embaucar el atractivo de Ethan Hawke, una madre con hijos no sería tan indolente o tan ingenua como para no informarse acerca de la casa a la que se va a mudar y más conociendo a su hombre, que ya le hizo la misma jugarreta en otras ocasiones.


Pasamos por alto que la situación sea forzada porque da pie a uno de los más memorables diálogos de la cinta, aquel en el que James Ransone como el agente Tal y Tal –quizá el mejor personaje del conjunto porque introduce un humor que le sienta bien a ‘Sinister’– le dice al escritor que esa es una conversación en la que no le gustaría estar presente. La discusión matrimonial tan temida, cuando finalmente se produce, está muy bien interpretada, especialmente por parte de Hawke, que reacciona con total realismo ante las increpaciones de su esposa, interpretada por Juliet Rylance.

El asesino de los chistes malos

(Posibles spoilers) Las latas de Super 8 que se encuentran en el ático están etiquetadas con frases que indican momentos de la vida familiar. En inglés, esas expresiones, sirven como juego de palabras que remite a la forma de morir las víctimas. “Hanging out” significa “pasando el rato”, pero literalmente se podría traducir como “colgando en el exterior”. Y así con todas. Es muy gracioso también el momento en el que aparecen otras cintas que llevan una pegatina donde pone “montajes extendidos”, como si fuese un guiño al mercado del DVD.



Si todavía estáis a tiempo, recomiendo que no veáis el tráiler, ya que en él se desvela información que se dará muy avanzada la película. Pero incluso para quienes no lo vean, el misterio se menciona desde el inicio y casi queda resuelto nada más empezar. Esto fastidia el clímax: no se finaliza con la sensación de que se ha desvelado una intriga, no hay secuencia de mayor intensidad en lo que se refiere al aspecto de thriller –es decir, de misterio– del film. Por otra parte, el que hayamos visto los elementos con los que se crea el miedo en muchas otras películas, es otro de los factores que malogran la posibilidad de que el final sorprenda.


De la misma forma, también se echan de menos más momentos aterradores. Resulta que una de las imágenes más espeluznantes que se distribuyen entre el material promocional, pierde por completo la capacidad de espantar cuando se ve en contexto. Si no veis el tráiler, además de los spoilers, os ahorraréis una decepción, ya que el avance es más terrorífico que la película en sí. Derrickson, quien también firma el guion, opta por guardarse la truculencia y sacarla solo en los momentos imprescindibles, lo cual le honra, ya que apuesta por la creación de atmósferas y por un terror elegante. Pero claro, cuando por fin aparecen las criaturas, su efecto ya se ha diluido. Es decir, el film se va manteniendo bien según avanza, pero todo ese progreso no lleva a una conclusión satisfactoria.



Por lo tanto, concluyo que como película de terror ‘Sinister’ funciona de forma correcta o cumplidora, pero poco más. Sin embargo, como retrato de personajes alcanza un alto nivel. Una realización elegante y atmosférica la separa de las propuestas de bajo presupuesto. Cuenta con ciertos hallazgos y por escenas se va disfrutando muy bien, pero quizá si se piensa en ella como conjunto sea más difícil considerarla una gran película. Dentro de las propuestas de terror, quizá sea una de las opciones más válidas del año, pero en lo que se refiere al cine de todos los géneros, queda en la mitad de la tabla.





 Autor: Beatriz Maldivia (Blogdecine)






Las trampas para conseguir subvenciones y el caso 'Holmes & Watson: Madrid Days'

Son muchas las quejas que ha habido alrededor del sistema de subvenciones al cine español, desde los que consideran que todas las películas son lamentables y que no deberían recibir ni un céntimo hasta otras mucho más concretas como las graves sospechas de amaños por parte de los productores para recibir el mayor dinero público posible. Estamos ante una práctica lamentable, pero está muy extendida la idea de que varias empresas se aprovechan descaradamente de esta posibilidad para conseguir que sus producciones acaben resultando beneficiosas pese al escaso interés que el público pueda tener en ellas.

Hace algo más de un año se hicieron públicas unas escandalosas acusaciones contra Salomón Shang, artista polifacético que ejercía tanto como director, actor, guionista, productor, exhibidor y distribuidor. La realidad era que Shang había conseguido ingresar más dinero a través de las subvenciones que por su exhibición en salas, habiendo casos tan sangrantes como el de ‘La Llegenda del L’innombrable‘ (2010), en la que el dinero público recibido cuadruplicaba sus ingresos en salas. Sus chanchullos no acabaron ahí, ya que llegó a recibir una subvención de casi 350.000 euros por su documental ‘Carl Gustav Jung‘ (2007), una obra que decía partir de una grabación inédita encontrada y restaurada por el propio Shang, pero que a la hora de la verdad era un simple plagio de ‘Jung on Film‘ (Stephen Segaller, 1957).


Sin embargo, atropellos como ése se solapaban con algo más grave: La falsificación de datos en lo referente a la exhibición, es decir, declaraba que sus obras recaudaban mucho más de lo que realmente ingresaban para así poder recibir más dinero público. La cuestión es que existe una ayuda a la amortización por la que las cintas españoles reciben un 15% de la recaudación bruta de las películas con un tope de 400.000 euros, cifra a la que hay que una ayuda suplementaria del ICAA si consiguen superarse las 35.000 entradas vendidas. Todo demasiado jugoso como para que nadie intente aprovecharse de ello, en especial si eres también el dueño de varios cines donde puedes estrenar tu película y luego declarar los datos que más te convengan.

El problema es que lo pillaron y las sanciones por parte de la Generalitat catalana empezaron a acumularse, por lo que, de buenas a primeras, desapareció tras haberse llevado varios millones de euros en ayudas públicas. Sin embargo, lo que ahora nos interesa no es Shang, ya que están surgiendo acusaciones de ese tipo contra José Luis Garci y la olvidable ‘Holmes & Watson: Madrid Days‘ (2012).


El caso de ‘Holmes & Watson: Madrid Days’

Hace unas semanas se estrenó ‘Holmes & Watson: Madrid Days’ con más pena que gloria. Apenas se exhibió en 51 salas y la recaudación de su primer fin de semana apenas ascendió a unos 60.000 euros con poco más de 7.500 espectadores. Esas cifras fueron descendiendo hasta quedarse por debajo de los 700 euros de recaudación en el fin de semana del 12 al 14 de octubre. La película parecía condenada a una pronta desaparición de la cartelera, quedándose bastante lejos de las 35.000 entradas vendidas a las que aludía con anterioridad.

Sin embargo, Nickel Odeon, la productora de Garci, consiguió romper el acuerdo de distribución que tenía con Alta Films tras ese fin de semana, pasando a ser World Line Cinema la encargada de relanzar la película. Y se ve que lo hicieron bien, porque ‘Holmes & Watson: Madrid Days’ pasó a exhibirse en 17 cines, un claro incremento respecto a los 3 de la semana anterior, pero lo más llamativo es que su recaudación aumentó un 5.302,7%, consiguiendo unas cifras cercanas a los 40.000 euros y una cantidad de entradas vendidas que casi iguala a la de su estreno. Todo esto hace hace que la película prácticamente sume ya un total de 30.000 espectadores, una cifra que se aproxima sospechosamente a las necesarias para recibir dicha ayuda suplementaria.


La trama se complica cuando Retrank, empresa especializada en ofrecer datos de taquilla a lo largo de todo el planeta, dejó fuera de los datos definitivos a la película de José Luis Garci. ¿El motivo? Al no estar ya distribuida por Alta Films no había cifras oficiales, ya que los datos recogidos días antes, cuya validez se refrendó desde Retrank España, provenían de la información que daban las propias salas de cine, siendo las definitivas las que provienen de las distribuidoras. Eso sí, en la imagen superior podéis comprobar la evolución de la carrera comercial de la película según datos suministrados por la web Box Office Mojo.

Investigando al respecto, descubrimos que World Line Cinema apenas había distribuido un par de títulos hasta la fecha, siendo también los encargados de hacernos llegar ‘Vulnerables‘ (Miguel Cruz Carretero, 2012) a partir del próximo miércoles 31 de octubre. Lo curioso es que desde la empresa comentan que ellos no tienen ni la más mínima idea de lo que ha sucedido, aduciendo a la posibilidad de que Nickel Oden haya llevado a cabo alguna promoción especial para llamar la atención del público.

Todo empieza a oler demasiado a chamusquina cuando resulta imposible encontrar información sobre en qué cines se exhibió la película durante esa milagrosa resurrección comercial y por la capacidad que ha demostrado Nickel Odeon para usar el silencio como su única respuesta ante las preguntas incómodas. Recordemos que Garci ya es todo un experto en cuanto a subvenciones se refiere, pues su ‘Sangre de Mayo‘ (2008) estuvo financiada totalmente con dinero público, algo especialmente escandaloso por seguir siendo a día de hoy una de las diez producciones más caras de la historia del cine español: 15 millones de euros costó y ni siquiera uno logró recaudar en los cines españoles.


En condiciones normales, uno daría por sentado que se va a investigar a fondo este caso, pero son tantos los casos en los que ha habido sospechas similares de compras de entradas por parte de los productores de las películas que quedaron en nada que uno pierde la fe en que vaya a esclarecerse el milagro de ‘Holmes & Watson: Madrid Days’. El hecho de que uno de los guionistas de la película sea Eduardo Torres-Dulce, fiscal general del estado, y que Alberto Ruiz Gallardón, ministro de justicia, haga una pequeña aparición como actor tampoco invitan al optimismo. Luego quizá haya una explicación perfectamente normal, pero el silencio de la productora de Garci incita a pensar muy mal sobre lo sucedido ante su evidente falta de transparencia.

Personalmente, me parece que prácticas de este tipo son uno de las principales causas de que el duro recorte que el gobierno del PP hizo de las subvenciones del cine español quizá no sea algo tan negativo, aunque seguramente hubiera sido mejor centrarse en cambiar las evidentes lagunas del sistema (hecha la ley, hecha la trampa) y no tanto en reducir considerablemente la aportación económica del estado. ¿Qué opináis vosotros al respecto?



Autor: Mikel Zorrilla (Blogdecine)
Vía: Box Office Mojo y El Mundo (Edición Impresa)

Nuevo trailer de "Django desencadenado"


Hace unos días salía el último trailer de la nueva película de la Tarantino, "Djando desencadenado". Éste es el mejor avance de todos los que han sacado hasta ahora, al menos para mí.

Violencia, acción, comedia y brillantes diálogos, al menos, eso esperamos del último trabajo del director de "Reservoir Dogs".

La fecha de estreno en España es el 25 de enero, así que poco a poco ya va quedando menos.

Pablo Campillo

domingo, 28 de octubre de 2012

Crítica de "Vacaciones en el Infierno"


Salvo giro hecatómbico de los acontecimientos, la carrera comercial de Mel Gibson está muerta pero, gracias a Dios, la única persona que todavía no se ha enterado es Mel Gibson, que aborda un direct-to-DVD (muy decente, muy entretenido… y muy, muy justito) como Vacaciones en el Infierno con la misma voluntad y energía como si fuera su siguiente film tras ganar cinco Oscars. Un profesional ejemplar y espejo en el que deberían mirarse docenas de estrellitas de medio pelo. Él es principio y fin de la película. Todo depende de él. Es imposible hablar de la misma peli si no apareciera este actor en ella. Así que centremos casi exclusivamente esta reseña en Gibson, mientras aún podamos. Porque da gloria verlo.

Get the Gringo es familia lejana de un fracaso comercial de Gibson: Payback, el remake (no tan) inconfeso de A Quemarropa. Aquí, Gibson interpreta a un atracador sin nombre –quizás el propio Parker, más viejo, más perro– cuya última fechoría acaba con sus huesos en una ciudad prisión mexicana conocida como El Pueblito, una penitenciaría tan masificada que prácticamente es un ecosistema, con tiendas comerciales y tiendas donde los reclusos se dan zapatilla con sus señoras. Es un ambiente fascinante y jodido, donde abunda la corrupción, el esclavismo, las drogas y el tráfico de órganos, reflejado con tanta naturalidad y peso, gracias al ajustado presupuesto y a la labor de Benoît Debie, habitual de Gaspard Noe, que se convierte en el corazón del film. Y es también escenario ideal para un film crepuscular y sórdido. Lo es hasta cierto punto, pero Gibson desarrolla una interpretación tan vitalista que ayuda a digerir semejante carga de miseria.

El actor (y productor, y coguionista) ha desarrollado un conocimiento instintivo sobre el punto en el que un film de acción deja de ser “duro” para ser “incómodo” y navega la línea con facilidad pasmosa, al poner en el centro del peligro a una pareja de inocentes (una madre y su hijo) y convertir nuestro protagonista en un héroe. El film se raja (no está concebido para machacarte), pero se raja como y cuando quiere su protagonista. Gibson ejerce de filtro y depura el horripilante mundo que nos llega desde la pantalla. Esta tarea, eso sí, cada vez le resulta más y más difícil. Gibson no es Willis, no se ha reconvertido en un actor estoico, sino que mantiene la misma identidad con la que triunfó hace treinta años. Es una actuación muy física y agotadora, y puede que sea una de las últimas ocasiones en las que le veamos con la energía de un demonio de Tasmania.

Si salimos del intérprete neoyorquino y de su inmensa influencia sobre la película, Gringo las pasa putas a la mínima que abandona sus puntos fuertes. Es un film muy sencillito y cuando le quitas sus cosas especiales, se convierte en anodino, y ya visto. Por ejemplo, pasada la mitad de película, el film sale momentáneamente de El Pueblito, con lo que tiene una gran ventaja menos a la que abrazarse, y se nota mucho. Duele un poco menos gracias a Gibson, omnipresente, y a la labor exclusivamente resultona de su director: Adrian Grunberg, ayudante de dirección (cargo que ocupa un lugar especial dentro de las putadas particulares que alberga cada especialización cinematográfica: en un rodaje, es el que hace que las cosas funcionen a base de sangre, sudor, lágrimas y una excepcional organización mental). Haciendo honor a su experiencia, Grunberg –Apocalypto, El Fuego de la Venganza, Traffic– no se anda con chuminadas: la peli DEBE tirar, contra viento y marea, con todos sus imponderables. 

Tampoco es necesario extenderse más en lo que, por otro lado, es un film muy entretenido y enfocado, con cierto carácter privado: todos los guionistas son productores, lo que demuestra el ambiente íntimo en el que se desenvuelve el film. Quizás destacar a Giménez Cacho, otra vez en una sólida interpretación como villano de la película, o la naturalidad de Dolores Heredia (la madre) que parece que ha nacido con ese papel en las manos –¿de dónde salen estos actores?– o una nueva demostración de la curiosa tendencia de Gibson a ejercer de figura paterna de un chaval desvalido, como en Mad Max 2 o El Hombre sin Rostro (¡…chavaleh que este tío esta LOOCOORRLL!). Por lo demás, Gringo es un vehículo de acción aislado, sin franquicia de la que depender, al servicio de una única gran estrella en tiempos impropios donde los veteranos hacen piña y dependen de fórmulas exitosas. Conociendo la carrera de Gibson, ermitaño por naturaleza, no sorprende demasiado. Lo que sorprende es que vaya tan a muerte con la propuesta. Sorprende aún más que, al hacer precisamente eso, reivindique el “star-power” de tal manera.



Autor: Rafa Martín (lashorasperdidas)

El guionista de ‘Prometheus’ revela los secretos de la verdadera precuela de ‘Alien’

De cómo el origen de los xenomorfos acabó convirtiéndose en la película más controvertida del año

Texto de Ángel Vidal

Prometheus se ha convertido probablemente en la película más polémica y que mayor número de opiniones encontradas ha levantado este año: para algunos, un desastre sólo salvado por su apartado artístico; para otros, una digna cinta de ciencia ficción que presenta ideas poderosas. Su exceso de hype, incógnitas sin resolver y un desarrollo argumental errático han conseguido que gran parte de los espectadores no hayan quedado satisfechos, pero lo que no se puede negar es que ha conseguido su objetivo: que la gente siga hablando de ella y que todos estemos con el rotulador en mano listos para marcar en el calendario la fecha de estreno de su secuela.

Mientras que otras superproducciones de este 2012 como Los Vengadores, El caballero oscuro: La leyenda renace o The Amazing Spider-Man han caído prácticamente en el olvido a estas alturas, Prometheus sigue despertando pasiones y análisis meses después con cada nuevo detalle de su curiosa producción.

Ahora, y con motivo de la salida de la película en Blu-Ray, ha aparecido la bomba que muchos esperábamos: conocer los secretos del guión original. Su autor, Jon Spaihts, ha concedido una entrevista a Empire en la que revela los entresijos que llevaron a que la precuela de Alien acabara convertida en Prometheus.

Ni que decir tiene que lo que viene a continuación contiene SPOILERS si no habéis visto la película.

 

PONIENDO LAS COSAS EN PERSPECTIVA

Estrenada el pasado mes de junio y envuelta la incertidumbre de si conseguiría o no funcionar (una película de ciencia ficción con calificación R y sin el nombre de la franquicia en el título) Prometheus acabó convirtiendo en todo un éxito que ha proporcionado a Fox 400 millones de recaudación frente a un presupuesto de tan sólo 130 millones de dólares (barato teniendo en cuenta el estándar de los blockbusters actuales).

Pero este caramelo que ha garantizado al estudio un próspero futuro abriendo el camino de una nueva saga esconde detrás un oscuro pasado en el que iba a ser “una más” dentro de otra franquicia.
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Hace unos años Fox se propuso revitalizar la saga de Alien con una nueva entrega, pero las cosas no acababan de cuajar y el proyecto no despegaba debido a dificultades como las dudas sobre qué línea argumental debía seguir (secuela o precuela) o la inseguridad de quién debía encargarse de ella.
El jefe del estudio, Tom Rothman, deseaba que Ridley Scott volviera al género, pero el director inglés se mostraba reticente ante la idea, hasta tal punto que su decisión fue la de ejercer como productor y posicionar a Carl Rinsch (director de vídeos comerciales y novio de su hija por aquel entonces, y ahora director de la problemática 47 Ronin) como el realizador encargado de sacarla adelante. En Fox seguían sin estar conformes, y, tras mucho insistir y meses de negociaciones, en julio de 2009 Scott accedió a dirigir lo que sería una precuela del universo que ayudó a construir en 1979.


A pesar de la importancia de la producción y de la presión para estar a la altura de la original, el guionista elegido fue un novato: Jon Spaihts, un desconocido sin ningún guión producido en aquel entonces –La hora más oscura llegaría después–, que se presentó en las oficinas de la compañía de Ridley y Tony Scott gracias al interés suscitado por sus libretos de ciencia ficción (Shadow 19 y Passengers) y salió con un trabajo que no esperaba y que le cambiaría la vida
 
Este guionista, que hasta ahora había trabajado en el anonimato, se vio de repente al frente de una de las películas más esperadas del año, siendo la primera vez que “había escrito algo que tenía una audiencia a la espera”, pero el éxito también trajo la preocupación constante de enfrentarse a “una multitud ávida, ansiosa e incluso molesta tratando de informarse sobre el proyecto”.


El tema de las filtraciones fue una de las grandes constantes que acompañaron a la película durante su producción, con multitud de fans desesperados por hacerse con todos sus secretos. A pesar de los rumores de que el guión inicial podría ser uno que circula por internet bajo el nombre de Alien Harvest, Spaihts ha asegurado en más de una ocasión que el guión nunca se llegó a filtrar y parece que tampoco lo hará en un futuro próximo: “Hubo discusiones durante un tiempo sobre si mi borrador final estaría incluido en la edición Blu-Ray de la película, pero recientemente he oído que hay ciertas complicaciones legales que podrían impedirlo“.
Durante estos días tanto Spaihts como Lindelof han confirmado en sus cuentas de twitter que el Blu-Ray de Prometheus no contendrá el guión de la película, así que habrá con conformarse con sus comentarios.

 

‘ALIEN’ VS. ‘PROMETHEUS’; SPAIHTS Y LINDELOF VS. FOX

En julio de 2010, un año después de la entrada de Spaihts al proyecto, Fox contrató a Damon Lindelof como co-guionista para que le diera un repaso a su borrador y encarar la producción hacia el inmediato rodaje.

Lindelof, que acababa de salir del mayor linchamiento online de la historia tras el polémico final de Perdidos, había ido al estudio para reunirse con Scott y discutir la posibilidad de encargarse de la reescritura del guión. Durante el intercambio de ideas entre ambos, dieron con una propuesta que hasta podría generar otra película de ciencia ficción completamente diferente, y quedaron tan encantados que decidieron combinar esas ideas con la precuela de Alien para dar forma a un concepto nuevo y original llamado Prometheus.

O al menos eso es lo que nos dijeron en la nota de prensa.


Ahora se revela la aterradora realidad detrás de todo: Lindelof, convertido en el blanco de las críticas de todo aquel que tenga queja alguna sobre la película, era en realidad un mercenario a merced de los deseos del estudio y una de las modificaciones clave sufridas por el proyecto salió de las mentes de ejecutivos desde un despacho.

“Las criaturas cambiaron de manera drástica de un borrador a otro, pero el mayor cambio de todos fue la eliminación del xenomorfo de la película”, comenta Spaihts sobre el rumbo que adquirió la producción cuando abandonó su puesto de guionista. Pero al contrario de lo que se creía, no fueron Lindelof o Scott quienes decidieron eliminar al alien en busca de una visión novedosa, sino que fue la propia Fox.

“Estaban muy interesados en hacer algo original y no otra película más de la franquicia. Eso se le ocurrió a uno de los jefes del estudio –todo ese cambio para centrarse en la nueva mitología de Prometheus, dejando a los Aliens tan atrás como pudiéramos, vino a petición del estudio.

De este modo, Lindelof se encargó de modificar todas las escenas en las que hacían acto de presencia los xenomorfos, sustituyéndolos por otras criaturas o sustancias. Algunas de ellas ya habían sido concebidas por Spaihts (Fyfield transformándose en un monstruo a causa de un compuesto mutagénico negro, la presencia de los Space Jockeys…), pero hubo que buscar soluciones para otras de las escenas que todo el mundo esperaba ver en una “precuela de Alien“, como la cámara repleta con los icónicos huevos, que misteriosamente pasó a ser una estancia repleta de urnas con gazpacho.

Damon Lindelof, el perpretrados de la barbarie 

Y claro, de esos huevos iniciales debía salir algo, así que el guión original de Spaihts también incluía los clásicos “abrazacaras” (facehuggers), que eran aquí utilizados de una manera impactante.
Durante una de las secuencias de Prometheus, David (Michael Fassbender), sin razón aparente, infecta a Holloway (Tom Hardy Logan Marshall-Green) echándole una gota de gazpacho en su bebida, convirtiéndole así en el portador del semen mutante que impregnará después el útero de la doctora Shaw (Noomi Rapace).

En la versión inicial, era un “abrazacaras” de la sala con huevos el que introducía al Alien en el interior de Holloway, tras quedar éste inconsciente por exponerse a la atmósfera abriendo demasiado su casco. Acto seguido, se despertaba sin saber qué había ocurrido y se dirigía a la nave para reencontrarse con Shaw. La doctora, que le daba por muerto, se lanza a sus brazos y comienzan una pasional escena de amor, “y mientras lo están haciendo, le explota el pecho y muere”.




Con Holloway en el hoyo, había que buscar un medio para infectar a la protagonista con otro alien, y el recurso que tenía Spaihts era una versión más oscura y “barroca” del androide David, que había comenzado a torpedear la misión para quedarse más tiempo en el planeta y adquirir mayores conocimientos de la cultura de los Space Jockeys.

Shaw descubre los planes de David e intenta detenerlo, pero en ese momento el androide consigue reducirla y atarla, exponiéndola ante uno de los huevos. David consigue extraer al “abrazacaras”, al que puede manipular “como si fuera un gatito”, y se lo acerca a la doctora en lo que habría sido una macabra secuencia que Spaiths describe así: “David juguetea con su cara durante un rato y después deja que vaya a por ella. Así, en mi borrador, es como Shaw acababa infectada con el parásito que tiene luego que extraer con la secuencia de la vaina médica”.

 

UNA CESÁREA DOLOROSA Y UNA PROTAGONISTA CONVERTIDA EN LARA CROFT

Y justamente esta secuencia –una de las más impactantes mostradas en la película– fue una de las razones por las que consiguió el trabajo, tal y como recuerda de su “pitch” ante Ridley Scott: “Me dí cuenta que una de las cosas que jamás habíamos visto era a alguien sobreviviendo a la explosión del pecho causada por el Alien”.

La idea era que la doctora Shaw, infectada con el alien, debía llegar hasta el puesto médico para extraer al ser que se estaba gestando dentro de ella. Pero al igual que con el resto de sus ideas, esta escena también sufrió modificaciones.

En la versión original Shaw era la que se quedaba dentro de la máquina y el xenomorfo era expulsado al exterior, vagando libremente por la nave y atacando a su tripulación. Además, el desarrollo de esta escena despejaba uno de los puntos más criticados de la película: la milagrosa regeneración de Shaw tras ser abierta en canal. Spaihts comenta que su recuperación era más extensa y prolongada en principio, con la doctora quedando inconsciente en la máquina durante ocho horas mientras era tratada médicamente.

En Prometheus, el alien fruto de la relación amorosa entre Shaw y Holloway, se “des-alien-izó” y pasó a ser un pulpo que quedaba atrapado en la vaina, mientras Shaw conseguía escabullirse para llegar ante un Guy Pearce con 20 kilos de maquillaje, y para después convertirse en una heroína de acción realizando todo tipo de proezas.

Aún con todo, el guionista se muestra complacido con el resultado final, considerándola una de sus “escenas favoritas, realizada visualmente de una manera extraordinaria”.

 

LA EVOLUCIÓN DE LOS XENOMORFOS QUE NUNCA VIMOS

En toda película de Alien tiene que haber aliens, y ya que ese era el plan inicial, Spaihts y Scott trazaron en un gigantesco “brainstorming” toda una evolución biológica que acabó en el cubo de la basura.

Se llegaron a realizar cinco versiones diferentes del guión antes de la llegada de Lindelof, y ya que esta película pretendía explicar los orígenes de los xenormorfos, también debían introducir diversas variaciones en la criatura original. “Probamos diferentes caminos; imaginamos que podría haber ocho variaciones diferentes de los xenomorfos –ocho tipos diferentes de huevos Alien con los que podrías toparte, ocho tipos de xenomorfos ligeramente diferentes que podrían haber salido de ellos”, comenta el guionista, que trabajó durante nueve meses con Scott desarrollando las criaturas de la película.

La idea de Spaihts y Scott era presentar al xenomorfo como algo nuevo, y entre los diversos rediseños que concibieron destacan algunas ideas visuales como las de parecerse a un crustáceo con su exoesqueleto recién mudado, variaciones de color (“pálidos en lugar de negros”) o que dispusieran de “una capucha gelatinosa en la que almacenaran ciertos rasgos del humano en el que se habían incubado“.

Una de las pocas variaciones que llegó hasta la película fue la del “Diácono”, un ser también conocido como “Proto-Alien”, que se puede ver al final de la película tras su salida del interior del Ingeniero.




Spaihts nos adentra también en la apasionada afición de Scott por la naturaleza, describiéndole como “un coleccionista morboso de todo tipo de rarezas como parásitos y depredadores del mundo natural”. Esta afición del director fue una los constantes influencias en su proceso conceptual, y los diversos insectos o bacterias de nuestro mundo inspiraron los diseños y conceptos de algunas de las criaturas vistas.

Además, por lo que se ha podido ver en los diversos vídeos “detrás de las escenas” o en otras entrevistas, Scott estaba increíblemente entusiasmado ante la idea de volver al terreno de la ciencia ficción sólo por la posibilidad creativa que ello suponía, pudiendo jugar con todo tipo de diseños.

 

FINALES AMBIGUOS, SECUELAS Y UN FUTURO ESCRITO EN LAS ESTRELLAS

Tras el encuentro con el Ingeniero y la destrucción de la nave Prometheus, la doctora Shaw y el androide David se embarcan en un nuevo viaje en otra de las naves del planeta hacia un lugar que Spaihts no había previsto del todo inicialmente:

“Les dejé a ambos en la superficie del planetoide, y estaba claro que David y Shaw iban a tener que trabajar juntos si querían sobrevivir. Ese plano de la nave despegando en la película ciertamente te lleva hacia un desenlace particular, mientras que mi final dejaba mucho más abierto lo que iba a ocurrir a continuación”.




Spaihts confirma además lo que se llevaba escuchando desde hace años, la existencia de una secuela adicional que llevara el mundo presentado en esta película hasta el visto en Alien, y no sólo eso, sino que hasta había concebido una trilogía de Prometheus explorando diversas ideas como “la llegada de la compañía Yutani y un par de tramas más relacionadas con los Ingenieros: la revelación de un grandioso diseño adicional de Ingeniero y la posibilidad de buscar su planeta natal”.

El guionista se guarda además un as bajo la manga, diciendo que ideó “una secuencia aún más retorcida que la de la vaina médica”, pero de momento se niega a revelarla teniendo en cuenta que podría aprovecharla para la siguiente entrega.


Fox ya ha confirmado la secuela de Prometheus, pero aún no ha revelado quién o quiénes se encargarán de escribirla o cuándo podría estar lista. Es muy posible que todas las ideas descartadas de la película se reserven para la segunda entrega, teniendo así medio trabajo hecho.

Mientras tanto, Scott sigue inmerso en el rodaje de The Counselor con Michael Fassbender, y aún no ha decidido cuál será su siguiente trabajo, pero ayer dejó caer nueva información en el diario inglés Metro sobre el punto de partida que podría tener esta segunda parte:

“Ahora tienes a una persona [la doctora Elizabeth Shaw] con una cabeza en una bolsa [el androide David] que tiene pleno funcionamiento y que posee un cociente intelectual de 350. Podría explicarle cómo colocar de nuevo la cabeza en su cuerpo, y ella va a tener que meditarlo seriamente, porque una vez que la tenga colocada, va a ser peligroso”.

Y eso es todo por el momento. Nos vemos en Paradise.













Primeras imágenes de Zoe Saldana en el biopic sobre Nina Simone


La famosa actriz protagonista del film más taquillero de la historia, Avatar, luce con este peinado afro en el set de rodaje sobre el biopic de la cantante Nina Simone, que llevará por título "Nina"

La actriz, de 34 años, da vida a la famosa cantante de jazz, película que abordará el ascenso a la fama de la cantante así como su relación con su manager Clifton Henderson.

La película está escrita y dirigida por Cynthia Mort, se estrenará el año que viene.

Autor: Pablo Campillo

Fuente: justjared

sábado, 27 de octubre de 2012

Tom Cruise será un viajero en el tiempo


Vía Entertaiment Weekly descubrimos que Tom Cruise se une una vez más a Paramount Pictures para protagonizar Our Name Is Adam, una película de ciencia ficción que el estudio de la montaña producirá en asociación con Skydance Productions.

La película es una historia original del guionista T.S. Nowlin, que se estrena a lo grande con este primer guión de largo que cuela en un gran estudio. En ella veremos cómo un astronauta (Cruise) viaja atrás en el tiempo para aterrizar de nuevo y encontrarse con una versión más joven de sí mismo.

Por lo demás no se conoce aún director asociado al proyecto. Estaremos al loro.

Fuente: lashorasperdidas

La segunda parte de "X-Men Primera Generación" con problemas


Ha llegado un punto en el que prácticamente cada mes salta la noticia de que alguna de las grandes superproducciones que se preparan en Hollwyood ha encontrado un grave escollo en su camino. Lo que es más sorprendente es el hecho de que Fox sea el estudio detrás de los dos últimos grandes casos, pues si hace unas semanas os hablaba de los problemas por los que pasaba la secuela de ‘El Origen del Planeta de los Simios‘ (Rise of the planet of the apes, Rupert Wyatt, 2011), hoy le ha llegado el turno a la segunda entrega de ‘X-Men: Primera Generación‘ (X-Men: First class, Matthew Vaughn, 2011).

El primer punto llamativo es que estamos ante un conflicto similar al de ‘Dawn of the Planet of the Apes‘, donde Rupert Wyatt, director de la primera entrega y uno de los grandes responsable de que fuese uno de los blockbusters más estimulantes de los últimos años, decidió que no quería hacerse cargo de la película por mucho que ya hubiese firmado el contrato para hacerlo. Las presiones de tiempo para estrenarla en la fecha fijada y un guión que no parecía muy de su agrado fueron las grandes responsables. Con ‘X-Men: Primera Generación’ también hubo cierto consenso en que la aportación de Matthew Vaughn fue clave para diferenciarla de la trilogía existente, pero ya entonces estuvo a punto de no dirigirla.

La cuestión es que Fox era muy exigente con Vaughn a la hora de sacar adelante ‘X-Men: Primera Generación’ en el menor tiempo posible, por lo que el director de ‘Stardust‘ (2007) llegó a abandonar durante un breve periodo de tiempo. Por fortuna, Vaughn decidió volver antes de que Fox encontrase un reemplazo de última hora y acabó dándonos una precuela mucho más interesante de lo que todos esperábamos. Hace unos meses se confirmaba que iba a encabezar la secuela, para la que también escribió un primer tratamiento de la historia. Todo parecía un camino de rosas para que ‘X-Men: Days of Future Past‘ repitiese la hazana de la primera entrega, pero las cosas han empezado a torcerse.

¿Qué ha sucedido? Pues que Matthew Vaughn ha decidido abandonar la película, poniendo así a Fox en el apuro de tener que contratar a alguien sobre la marcha. Se desconoce cuáles han sido exactamente los motivos, pero la película tiene que estar lista para estrenarse el 18 de julio de 2014, contando ya con un guión definitivo y la confirmación de que los protagonistas de la primera entrega iban a repetir sus papeles para que el rodaje diese comienzo dentro de unas semanas. Aún se desconoce el motivo exacto de la marcha de Vaughn (seguro que en poco tiempo lo comentará en alguna entrevista exclusiva), pero parece que Fox quiere conseguir el mayor continuismo posible, ya que su gran favorito para reemplazarlo es Bryan Singer, guionista y director de ‘X-Men‘ (2000) y ‘X-Men 2‘ (2003) y que ya colaboró en ‘X-Men: Primera Generación’ elaborando el primer tratamiento de la historia, lo mismo que hizo Vaughn para la secuela.

Personalmente, creo que la apuesta por Singer, aún por confirmar oficialmente, podría no ser tan ideal como parece, ya que una de las mejores cosas de ‘X-Men: Primera Generación’ era que creaba una personalidad propia, por lo que su presencia en ‘X-Men: Days of Future Past’ podría resultar problemática en este apartado. Sí que sería ideal en el caso de que fuese la última película que sirva de enganche directo entre ambas franquicias, pero dudo mucho que Fox vaya a permitir que eso suceda. ¿Y vosotros qué opináis sobre lo sucedido, os gustaría que Vaughn volviera a cambiar de idea y regresara, os convence la posibilidad de Bryan Singer o preferiríais que contratasen a otro realizador?

Autor: Mikel Zorrilla (BlogdeCine)
Vía: Collider